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pintura

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Claroscuro

Continúa mi búsqueda artistas que han tenido encuentros fortuitos con instituciones culturales en las que sus trabajos han sido presentados con éxito y no se les ha dado el seguimiento que corresponde, artistas que han encontrado el camino para promocionarse y difundirse casi en solitario con recursos propios, que ya no se conforman o dependen de organismos de gobierno, que se expresan en cada esquina y en cada rincón porque su talento lo exige.

Encontré a Edgar Lamas, un artista tijuanense que ha tenido la experiencia como tantos en el recorrido que más parece un suplicio en donde se tiene casi que rogar por un espacio para exponer.  La obra de Edgar no es fácil de transportar y maniobrar porque tiene un peso y dimensión considerables incluso por su brillo y reflexión es difícil de fotografiar. Sus exclusivos cuadros y mobiliario creados con una técnica en palabras del artista “única en el mundo”, lámina cromada labrada con pintura de aire y brocado que como producto final, da la impresión de un espejo nítido con profundidad de colores, brillos y luces que cambian durante el día y por la noche, toman un rumbo distinto cuando los focos direccionados de la galería se encienden.

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Sus cuadros requieren de especial cuidado cada vez que son trasnportados a muestra para exponer, éste proceso no debería ser azaroso si tuviera la seguridad que, en caso de una negativa, se encontrará con ojos expertos o con sensibilidades que sepan explicarlo. El artista se ha enfrentado a encargados de museos o galerías que se dicen expertos en el arte y las respuestas que ha recibido han sido tan absurdas como increíbles: “No combina con el resto” “No cabe” “Nuestras paredes no lo resisten” “Es que son espejos pintados”.  Edgar entiende que su trabajo no es sencillo de comprender y hace caso omiso de las aseveraciones incorrectas, como cuando llevó sus cuadros a selección para la Bienal de Baja California y fueron rechazados. Sucede muchas veces con todos los artistas de todas las disciplinas cuando no han ganado un concurso, les queda la curiosidad de saber si los ganadores son mejores. Edgar recogió su obra no sin antes echar un vistazo a los trabajos en la exposición y la respuesta que le dieron al no haber seleccionado el suyo, fue que no combinaban con el tema de la Bienal mismo que se componía de instalaciones con objetos reciclados, cosas que dejaron de funcionar y encontraron su lugar en una galería: “Encontré basura reciclada en forma de instalación, otro tipo de arte, si eso es una Bienal entonces es cierto, mi trabajo no corresponde a ese lugar” –dice Lamas.

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Edgar es abogado y dejó su profesión cuando se atrevió a creer que su pasatiempo era en realidad una forma de vida. Cruzó entonces a Estados Unidos después de recoger su obra de aquella fallida Bienal y emprendió el camino buscando el sitio correcto, siendo este la Galería Hallmark en La Jolla, California en la que sus cuadros quedaron colgados el mismo día que los llevó a presentar y vendidos un par de semanas después.  La apreciación de los conocedores es diferente en cada lugar y por eso, el trabajo debe ir de la mano de su creador para descubrir el espacio indicado.

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La familia Lamas ha creado en su hogar una especie de galería/sala de esparcimiento/exhibición y el escenario “Claroscuro” es donde además, han sido invitados grupos y músicos talentosos para promoverse y divertirse con amigos y conocedores. Entre la música, los colores, luces y brillos, la fascinación por el arte y la creatividad se reúnen personas que aprecian y aplauden el recorrido de Edgar como artista, diseñador y músico. En esta galería viven enormes cuadros que invitan a viajar por cada una de las diminutas capas de lámina que brilla distinto con cada parpadeo. Vive un obelisco multicolor creado con la misma técnica, le acompaña un tricubo policromo gigante que gira lento lanzando destellos de luz infinita. Bases de mesas que son elaboradas con maderas exóticas y lámina cromada, consolas y cavas que resguardan las mejores botellas de vino. Grabados y bajo relieves que hacen resaltar al máximo las cualidades reflexivas del metal con una exquisita labor de filigrana y de efectos que asemejan el antiguo oficio de orfebrería. Los habitantes de colores son diseños exclusivos de Lamas y cada uno de esos objetos murmura el aliento que el artista dejó en cientos de horas trabajadas, él dice que quiere provocar sonrisas y sorpresa en la gente que las observa y emociones desconocidas en quienes las compran. Objetivo logrado.

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"Edgar Lamas combina maderas exóticas con labrado en metal (típicamente acero inoxidable), pinturas para automóviles de alto grado, grabado a mano y en ocasiones añade cristales Swarovski a sus creaciones. Digo creaciones porque resultaría insultante nombrar su trabajo, sus muebles o gabinetes como solo arte porque son mucho más que eso. Cada una de las creaciones de Edgar Lamas combina funcionalidad con elegancia, ingeniería con diseño. Es arte. Son muebles. Es creatividad. Son piezas de belleza." Christine Molina.

El singular y exótico mundo de la reflexión cromática de Edgar Lamas está establecido por sí solo igual que el de muchos otros, con esto queda definido que de las instituciones públicas se obtiene el espacio gratuitito para las presentaciones, lo demás es labor de cada uno y se necesita únicamente tener la certeza de que el talento no es un pasatiempo,  debe ser una forma de vida.

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Viernes, 23 de Octubre 2015 - 18:00
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Van Gogh: los años del Borinage

Sin duda, Vincent Van Gogh (1853-1890), fue uno de los genios más grandes del siglo XIX, uno de los mejores pintores de su generación y, tal vez (junto con Cézanne, Gauguin y Toulouse Lautrec), uno de los cuatro mejores pintores del postimpresionismo. O, quizás, fue el mejor de todos ellos. Pero todo eso le significó bien poco. Su vida y su obra transcurrieron en medio de la soledad, la pobreza y la indiferencia. A pesar de todo, Van Gogh se empeñó, infatigablemente, en transformar el arte de su época. Van Gogh no sólo hizo una ruptura en cuanto a la forma de pintar y a los colores, sino a los temas que pintaba y a los motivos interiores que tenía para hacerlo.

«Prefiero pintar los ojos de los hombres que las catedrales, porque en los ojos hay algo que no hay en las catedrales, aunque sean majestuosas e imponentes: el alma de un hombre, aunque sea un pobre vagabundo o una muchacha de la calle, me parecen más interesantes», escribió.

Van Gogh encarna al genio fracasado que vive al límite, desafía al status quo, muere pobre, joven y olvidado, y al buen salvaje que huye de las grandes ciudades y de sus perversiones, para vivir entre la naturaleza y las gentes sencillas del campo.  

Su breve existencia (se suicidó antes de cumplir 37 años) fue, en palabras del escritor y artista plástico Fayad Jamís, «una verdadera odisea interior, una de la grandes aventuras artísticas y humanas de los tiempos modernos». A partir de 1947 y de la exposición retrospectiva de la prolífica obra de Van Gogh en el museo de l’Orangerie, de París, sus cuadros han atraído a multitudes de espectadores y críticos de arte de todo el mundo y han alcanzado precios exorbitantes.

La vida y la obra de Van Gogh me apasionan. Mi primer acercamiento con el pintor no fue a través de la pintura, sino de la literatura, gracias al ensayo de Antonin Artaud (1896-1948), Van Gogh, el suicidado por la sociedad, y al libro epistolar, Cartas a Théo: una recopilación de veinte años de correspondencia entre Van Gogh y su hermano. De lo que se desprende en estas cartas, que deben leerse como literatura, se puede deducir que, de no haber sido el gran pintor que fue, Van Gogh podría haberse convertido en un magnífico escritor, capaz de plasmar en sus escritos toda la intensidad de su vida interior.

Desde que vine a vivir en la ciudad de Mons (hace ya casi 6 años) veo a Van Gogh en todas partes. Hace unos meses, desde que la ciudad fuera elegida Capital Europea de la Cultura 2015, el museo Beaux-Arts Mons exhibió algunas de sus obras. Y no muy lejos de aquí se pueden visitar dos de las casas donde vivió Van Gogh, entre 1878 y 1880.

Antes de llegar a esta región, Van Gogh había estudiado en una escuela evangelista, en Laeken (un barrio al noroeste de Bruselas) y había logrado, a pesar de la dificultad que tenía para hablar en público, convencer a sus superiores de que lo enviasen como misionero a la región del Borinage. En diciembre de 1878 llegó a vivir a una casita, La Maison Denis, en Colfontaine. A Van Gogh, que siendo muy joven había trabajado como mercader de arte, le asombró el hecho de que en el Borinage no hubieran cuadros, y de que casi nadie supiera lo que era un cuadro. No obstante, a pesar de que no gozara del arte, la región le parecía muy «característica y pintoresca». El paisaje invernal le recordaba a las pinturas de Brueghel y algunos caminos «profundos, cubiertos de zarzas y de viejos árboles torcidos con raíces fantásticas» lo hacían pensar en una pintura de Alberto Durero. Por otra parte, le gustaba observar a los mineros, cuando salían de la oscuridad de las minas y regresaban a sus casas «todos negros, con aspecto de deshollinadores». Lo cierto es que esta región, mezcla de pobreza y bellos paisajes, lo perturbaban y lo maravillaban.

Van Gogh empezó a predicar a los mineros, a los campesinos y a sus familias. En una ocasión entró en una peligrosa mina, en cuyo fondo encontró hombres afiebrados, demacrados y fatigados, con aspecto de viejos. Al salir, pensó en los admirables cuadros que un pintor podría haber hecho de esas pobres gentes.

Van Gogh, a sus veintitrés años, ya veía arte en todas partes.

«El arte es el hombre agregado a la naturaleza», escribió.

Era un predicador fervoroso; imitador de Cristo. Regaló casi todas sus pertenencias y se volvió más pobre que los pobres. Apenas comía y estaba flaco y demacrado. Le pusieron como apodo: “El Cristo de las minas de carbón”.

«La adversidad para los hombres es lo que la muda de plumas a los pájaros», escribió.

Es, sin duda, en el Borinage, donde cobró conciencia de la profundidad de los sentimientos sociales que había en su interior. Y fue también aquí donde trazó sus primeros bocetos. Pero en julio de 1879 le sobrevino el fracaso, cuando sus superiores no quisieron que continuara con su labor evangélica. Van Gogh era un predicador entregado, vehemente, pero su comportamiento excéntrico y su temperamento explosivo asustaban a las personas de la región. Pensaba que entre los predicadores, como entre los artistas, había una vieja escuela académica, a menudo execrable, tiránica, de hombres llenos de prejuicios y convencionalismos, que tratan de mantener a sus protegidos y de excluir a los hombres sencillos.

Hundido en una fuerte depresión, perdió contacto con su familia y, durante un año (período del que no se saben muchas cosas acerca de su vida) vagabundeó, hasta regresar, luego de haber hecho, con toda seguridad, una profunda catarsis.

Se sabe que a continuación vivió un tiempo con un minero evangelista, antes de trasladarse a la casa de Cuesmes, la Maison Van Gogh, cerca de Mons. La visité apenas llegué a Bélgica. La han convertido en un pequeño museo. Y aunque no hay gran cosa que ver y la habitación donde dormía Van Gogh desapareció en un incendio, hoy, para quién esté dispuesto a escuchar, todavía hablan las paredes, los bosques y algunos objetos que han sobrevivido al tiempo. Yo me puse a caminar en los bosques que rodean a la casita, seguro de que caminaba sobre la misma tierra que caminó él, entre los mismos árboles y bajo el mismo cielo. Eso me hizo sentir más cerca que nunca del artista. En ese lugar Van Gogh empezó a realizar más dibujos y a estudiar primitivos manuales de pintura y de anatomía. Apoyado por su hermano Théo (un modesto merchante de arte) comenzó en Cuesmes su carrera de artista. Théo le enviaba copias de obras de grandes pintores, sobre todo de Jean-François Millet. Van Gogh las reproducía. Leía a Shakespeare y a Victor Hugo. En esta época, con muy poco dinero, hizo un viaje al Paso de Calais, en Francia, buscando un trabajo cualquiera, pero de último momento, se desvió hacia Courrières, donde empezó a buscar talleres de artistas, pero no encontró ninguno. Escribió que el cielo francés le parecía más fino y más limpio que el brumoso cielo de Bélgica. Desde que Van Gogh estuvo por aquí eso ha cambiado muy poco; el cielo, en Bélgica, sobre todo en invierno, es algo que no pasa desapercibido para nadie. Anduvo caminando por la región, observándolo todo: los campos, los carboneros y los tejedores. En esta época se empezaron a vislumbrar con más fuerza algunos rasgos de la enfermedad mental que padecía. Durante mucho tiempo se habló de que padecía esquizofrenia y ahora hay más especialistas que creen que padecía de psicosis maniaco-depresiva. Después de haber leído varias veces Cartas a Théo pensé lo mismo.  

«En vez de dejarme llevar por la desesperación he tomado el partido de la melancolía», escribió, en julio de 1880.

Van Gogh abandonó el Borinage en el otoño de 1880. Pero en toda su obra posterior se ven reflejados los dos años que pasó en esta región, donde no sólo nació como artista, sino encontró paisajes, situaciones y gentes que pintaría tiempo después y que constituirían una parte importante de su producción artística.

Van Gogh no habría sido el artista que fue sin los años de Bélgica, los años del Borinage. 

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Fecha: 
Miércoles, 12 de Agosto 2015 - 16:00
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De 1887 - Nace Marc Chagall

Marc Chagall (Vítebsk, Imperio Ruso, 7 de julio de 1887 - Saint-Paul de Vence, Francia, 28 de marzo de 1985) fue un pintor francés de origen bielorruso.

Nació en Vítebsk (Bielorrusia) y era el mayor de nueve hermanos provenientes de una familia de judíos. Su nombre natal fue Moishe Segal (Мойше Сегал) o Movsha Jatskélevich Shagálov (Мовшa Хацкелевич Шагалов). El nombre de su madre era Felga-Ita. Fue uno de los más importantes artistas del vanguardismo y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños.

En 1907, Marc Chagall se muda a San Petersburgo, donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte y lugar en el que estudió bajo la tutoría de Nikolái Roerich. Entre 1909 y 1911 estudió en la escuela de Elizaveta Zvántseva bajo la tutoría de Léon Bakst. Tras de hacerse conocido como artista dejó San Petersburgo, Rusia, para unirse a un grupo de artistas que se encontraban en el Barrio de Montparnasse, en París, Francia. En 1914 regresó a Vítebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permaneció en su pueblo natal. En 1915 se casó con Bella y el siguiente año tuvieron una hija a la que llamaron Ida.

Chagall se volvería un participante activo en la Revolución rusade 1917, por lo que fue nombrado Comisario de Arte para la región de Vítebsk, donde fundó la Escuela de Arte de Vítebsken 1919. Sin embargo, debido a la carga burocrática del puesto de director en la Escuela y a las desavenencias conKazimir Malévich, profesor de la Escuela, se mudó a Moscú en 1920 y luego a París en 1923.

Con la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial y la deportación de los judíos a los campos de exterminio nazis, Marc Chagall tuvo que abandonar París. Con la ayuda del periodista estadounidense Varian Fry, se mudó a la Villa Air-Bel en Marsella antes de que Fry le ayudara a escapar de Francia, a través de España y Portugal. En 1941, los Chagall se instalaron en Estados Unidos.

Algunos de sus trabajos más importantes son La aldea y yo (1911), El violinista verde (1923-1924, Museo Guggenheim, Nueva York), El cumpleaños (1915), Soledad(1933, Museo de Tel Aviv). Los cuadros de Chagall se han llegado a vender por más de 6 millones de dólares, y también sus litografías alcanzan un considerable valor.

Cabe destacar su estancia en la Costa Brava, concretamente en la localidad de Tosa de Mar, donde pasó un par de veranos, en 1933 y 1934. Actualmente se conserva en el Museo Municipal de Tosa de Mar, la célebre obra titulada El violinista celeste.

En 1964, por encargo de Charles de Gaulle Marc Chagall pintó el techo de la Ópera de París. En 1977, fue condecorado con la orden de Legión de Honor de Francia.

En 1981, recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.

Murió a la edad de 97 años y está enterrado en el pueblo de Saint-Paul de Vence, cerca de Niza, junto a su esposa Valentina Bródskaya (Vava) y su cuñado.

Sus trabajos se pueden encontrar en la Ópera de París, la Plaza del Primer Banco Nacional en el centro de Chicago, la Metropolitan Opera House de Nueva York, laCatedral de Reims (Francia), la Catedral de Fraumünster en Zúrich (Suiza), y la Iglesia de San Esteban en Mainz (Alemania). El museo que lleva su nombre en Vítebsk fue fundado en 1997 en el edificio donde habitó su familia. Dicho museo solo tiene copias de su trabajo, pues durante los tiempos soviéticos fue consideradopersona non grata y no se reunieron ejemplares de sus obras.

En 1978, el pintor hispano-argentino Enrique Sobisch realiza con gran éxito, en Buenos Aires, una exposición de más de 100 obras en homenaje a Chagall, que este agradece personalmente.

La editorial barcelonesa Acantilado publicó en 2004 su libro de memorias, escrito originalmente en ruso y publicado en París en 1931 en traducción de su esposa, Bella Chagall.

Marc Chagall se inspiró en las costumbres de la vida en Bielorrusia e interpretó muchos temas bíblicos, reflejando así su herencia judía. En los años 1960 y 1970 se involucró en grandes proyectos destinados en espacios públicos o en importantes edificios civiles y religiosos.

La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno. Formó parte de las vanguardias parisinas que precedieron la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su obra se queda siempre en los límites de estos movimientos y tendencias emergentes, incluyendo el cubismo y el fauvismo. Estuvo muy conectado con la Escuela de París y sus exponentes, como Amedeo Modigliani.

En sus obras abundan las referencias a su niñez, aún al precio de evitar las problemáticas experiencias que después vivió. Sus obras comunican la felicidad y el optimismo a aquellos que las observan mediante intensos y vívidos colores. Chagall gustaba de colocarse a sí mismo, a veces junto con su mujer, como observador del mundo, un mundo de colores visto a través de un vitral. Muchos consideran que La crucifixión blanca (y sus ricos e intrigantes detalles) es una denuncia del régimen de Stalin, del holocausto nazi y de toda la opresión contra los judíos. Chagall cultivó durante más de ochenta años un arte inspirado en el amor, los recuerdos, las tradiciones rusas y judías, los acontecimientos históricos o los hitos artísticos de los que fue testigo y, en muchas ocasiones, protagonista.

Fecha: 
Viernes, 07 de Julio 2017 - 09:40

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De 1907 - Nace Frida Kahlo

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, más conocida como Frida Kahlo (Coyoacán, 6 de julio de 1907 — ibíd., 13 de julio de 1954), fue una pintora y poetisa mexicana de ascendencia alemana y española. Casada con el célebre muralista mexicano Diego Rivera, su vida estuvo cruzada por el infortunio de una enfermedad infantil y por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas. Llevó una vida poco convencional, fue bisexual y entre sus amantes se encontraba León Trotski. Su obra pictórica gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de unas 200 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. La obra de Kahlo está influenciada por su esposo el reconocido pintor Diego Rivera, con el que compartió su gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del periodo posrevolucionario.

En 1939 expuso sus pinturas en Francia acudiendo a una invitación de André Breton, quien intentó convencerla de que eran «surrealistas», aunque Frida decía que esta tendencia no correspondía con su arte ya que ella no pintaba sueños sino su propia vida. Una de las obras de esta exposición (Autorretrato-El marco, que actualmente se encuentra en el Centro Pompidou) se convirtió en el primer cuadro de un artista mexicano adquirido por el Museo del Louvre. Hasta entonces, Frida Kahlo había pintado solo privadamente y a ella misma le costó admitir que su obra pudiese tener un interés general. Aunque gozó de la admiración de destacados pintores e intelectuales de su época como Pablo Picasso, Vasili Kandinski, André Breton o Marcel Duchamp, su obra alcanzó fama y verdadero reconocimiento internacional después de su muerte, a partir de la década de 1970.

Fecha: 
Jueves, 06 de Julio 2017 - 09:20

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De 1904 - Nace Salvador Dalí

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904-ibídem, 23 de enero de 1989), fue pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.

Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

Fecha: 
Miércoles, 11 de Mayo 2016 - 09:20

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Marcos Aranda González: Encuentro con el pintor de los rostros de Ayotzinapa en Bélgica

El corazón de un pintor termina por adquirir la forma que tienen sus manos, pienso, al conocer a Marcos Aranda González, el pintor que realizó la representación de los 43 rostros de los normalistas desaparecidos de Ayotzinapa que, el pasado 31 de septiembre de 2014, un grupo de manifestantes llevó frente a la Unión Europea y, el 9 de diciembre, frente la Misión de México ante la Unión Europea y Embajada de México ante el Reino de Bélgica y el Gran Ducado de Luxemburgo. «Como mexicano sentí que se tenía que hacer algo. Me duele lo que está ocurriendo en nuestro país», me expresó. El pintor vive en Quevaucamps —un pequeño pueblo ubicado en la comuna de Beloeil, dentro de la provincia de Hainaut—. El arte de Marcos Aranda González es transgresor. No me extraña que haya conseguido exponer su obra en México, Bélgica, Francia, Italia y Alemania.

Marcos Aranda González es originario de Santa Cruz Meyehualco —Iztapalapa, Distrito Federal— y es hijo de un escultor que estudió en la Academia de San Carlos. Desde muy joven, realizó maquetas para el Museo Nacional de Antropología e Historia. Durante aquellos días, las personas para quienes trabajaba, le hicieron ver que poseía talento para las artes plásticas. El arte lo sacó de la calle, alejándolo de las drogas y el alcohol. Recuerda que en sus inicios, en Tabasco, mientras trabajaba en un proyecto de veinticinco cabezas monumentales de la cultura olmeca para el Instituto de Cultura de Tabasco, conoció a una mujer que le enseñó cosas muy importantes sobre el arte. «Era una persona muy sensible y talentosa que me ayudó mucho. Pero ella se suicidó y ese suceso me marcó de manera muy intensa». Le pregunté si el sufrimiento hace mejor al arte y a las personas. Luego de reflexionar durante algunos instantes, me respondió: «El sufrimiento no hace mejor a nadie, ni a las personas ni al arte. El sufrimiento es indispensable. Es indispensable para crecer y para liberarse».

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Marcos Aranda González

El pintor mexicano llegó a Bélgica hace veintidós años, para colaborar en un proyecto artístico de Europalia, en la ciudad de Bruselas. Allí conoció a una mujer —que ahora es su esposa y con la que tiene una hija— y, motivado por aquel encuentro y por el entusiasmo de aprender de la cultura europea, decidió quedarse. Un viaje de tres meses trazó el rumbo de una travesía que cambió su destino. «Desde el principio tuve claro que tenía que hacer algo. Quería pintar y exponer mi obra».

Le pregunté cuál era la dificultad más grande a la que se ha tenido que enfrentar como artista en un país extranjero y me respondió lo siguiente: «Ser reconocido como artista», y «las personas, cuando no tienes un trabajo normal, algo como lo que hace todo el mundo, te ven de manera un poco extraña. Les cuesta trabajo aceptar que eres un artista y que te pasas el día creando». Por otra parte me dijo que su obra ha incomodado a algunas personas. «Pero la tarea del artista también es provocar». Para Marcos Aranda González el mundo del comercio del arte es como el mundo de la prostitución. La mayoría de las galerías están más preocupadas en vender que en la creación artística.

Su taller está ubicado a un lado de su casa, en un espacio que hace muchos años fue un rastro —un matadero de ganado—. Está repleto de caballetes, pinturas, herramientas, lienzos, paletas, solventes y algunos objetos extraños que le gusta coleccionar. La temperatura es baja y no hay calefacción. Marcos dice que durante el invierno suele ir a trabajar a una academia. Siempre trabaja con acrílico, pero también combina técnicas mixtas: laca, óleo, periódico, arenas, esmaltes, etcétera. Lo que busca con la mezcla de estos materiales es dar una mayor profundidad emocional y un mayor significado a sus pinturas.

He podido identificar dos períodos en su trayectoria artística: el período mexicano y el período mixto. El primero tiene influencias de los muralistas mexicanos: José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros… y José Luis Cuevas, el representante de la generación de la ruptura…». En las pinturas de esta época vemos una fuerte carga social, con colores intensos, casi agresivos. En la segunda etapa, el artista incorporó elementos que surgieron de los estudios que ha realizado sobre la escuela flamenca. «Además de que ya, desde México, me gustaba mucho Rubens», me explicó. De los flamencos, Jan van Eycke es uno de los que ha ejercido más influencia en su obra. Pero también tiene influencias del surrealismo. En especial del, así llamado, grupo Cobra: Pierre Alechinsky, Corneille, etcétera. «México es un país surrealista», piensa.

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Émigration 

En el primer período, Marcos Aranda González realizó algunas pinturas en las que se puede apreciar su inquietud por los problemas sociales contemporáneos. «El mundo va mal ¿no? ¿Adónde nos ha llevado el neoliberalismo? A veces hay que pintar sobre lo que es monstruoso, porque la realidad no es siempre lo que parece. Vivimos en una sociedad angustiada, por más que esté disfrazada de confort. El mundo moderno es una paradoja».

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La délicate sortie de l'ombre 

Después de la etapa anterior pintó muchos árboles. «Me gustan los árboles. Me gustan por el viaje. Por la emigración. Cuando llegué a Bélgica me inquietaba mucho todo el fenómeno de la emigración; el cambio de un país a otro. ¿Tú sabes que los árboles viajan?», me preguntó. Entonces me habló de los árboles en África, cuyas semillas recorren largas distancias. Es curioso notar que, en un inicio, las ramas aparecen desnudas. Los pintó durante sus primeros años en el país, cuando las cosas no eran muy fáciles para él. Marcos no se considera a sí mismo un desarraigado. No llegó al país para buscar fortuna ya que en México el trabajo no le faltaba. A diferencia de otros inmigrantes, se adaptó a la cultura, aprendió una de las lenguas del país y buscó la manera de participar en la vida de su comunidad. En sus obras posteriores a esta primera etapa algunos árboles ya tienen hojas; quizá, como un reflejo de los progresos que él hacía en su vida personal y en su trabajo artístico. En éstos parece haber mucho de los estados anímicos del artista, pero también de su país de acogida. Ha creado algunos de ellos con técnicas de collage, donde aparecen aviones y otros símbolos, que me han recordado a los cuadros de Jean-Michel Basquiat, el genial pintor de Nueva York. Cuando le pregunté a Marcos si pensaba en esos símbolos, me dijo que él casi siempre trabaja desde el inconsciente. «Los símbolos se revelan poco a poco, algunas veces después de algún tiempo», me dijo. Las figuras de algunos de sus árboles surgen de la niebla. «El clima influye en las personas y en el arte». Sólo hay que recorrer Bélgica, durante el invierno, para mirar cómo baja la niebla, cubriendo las ciudades y la campiña.

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Introspection 

Actualmente pinta retratos. Su taller está repleto de grandes lienzos con retratos de rostros humanos. El primero es uno de Francis Bacon, pintor por el que tiene una gran admiración. Los siguientes son retratos de estudiantes de pintura —en su mayoría mujeres— que modelan para él. «Me interesan los retratos porque la vida de las personas se marca en sus rostros», dijo. Piensa que él mismo aparece siempre en sus retratos. Y es que el artista nunca logra sustraerse de su obra. Su pintura me gusta porque me mueve. Toca partes de mi interior que no habían sido tocadas con anterioridad. Sus retratos me provocan un sentimiento de angustia. «En mi obra siempre está siempre presente la angustia «la angoisse», me dijo Marcos. En sus cuadros es común ver elementos en contraposición: lo viejo y lo nuevo, por ejemplo. También el paso del tiempo. «Un artista trabaja con sus obsesiones». Le dije que todo artista tiene una búsqueda y le pregunté cuál era la suya. Me respondió: «Sería vanidoso decir que la he encontrado. Si mi búsqueda estuviera clara… ya lo habría solucionado. No habría más búsqueda».

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Sin título 

Al final de mi conversación con el pintor Marcos Aranda González y, luego de haber tenido un acercamiento con algunos fragmentos de su vida y obra, le pregunté si podía hacer una reflexión final. «¡La lucha del artista es ser uno mismo!», me dijo. «Lo más importante en la vida es saber de dónde viene uno y hacia dónde va, que no siempre es fácil. Esos son nuestros viajes a los que me refería cuando te hablé de los árboles».

Mons, Bélgica. Abril 30, 2015.

Fotografías: Marcos Aranda González

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Viernes, 01 de Mayo 2015 - 16:30
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De 1883 - Fallece Édouard Manet

Pintor y grabador francés. Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia, Édouard Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo. Ante la resistencia paterna a que iniciara una carrera artística, trató infructuosamente de ingresar en la Escuela Naval hasta que, tras un segundo intento fallido, su familia accedió a regañadientes a financiar sus estudios artísticos, que inició en 1850 en el taller del pintor clásico Thomas Couture.

Tras seis años de aprendizaje, Édouard Manet se estableció en un estudio propio. En esos primeros tiempos entabló relación con artistas y literatos como Henri Fantin-Latour, Edgar Degas y Charles Baudelaire. A principios de 1860 empezaron a ser reconocidas algunas de sus obras, que merecieron, entre otras, la cálida acogida del crítico y escritor Téophile Gautier.

En 1863, el Salón de Otoño le rechazó un lienzo que iba a resultar trascendental para la posterior evolución de la pintura: Almuerzo sobre la hierba, que fue doblemente criticado, tanto por su temática -muestra a una mujer desnuda flanqueada por dos jóvenes ataviados de forma contemporánea- como por la técnica empleada, revolucionaria lo mismo en el tratamiento de la perspectiva que en el de la representación del entorno natural, bañado en una luz fuerte y contrastada.

Ese mismo año Édouard Manet contrajo matrimonio con la holandesa Suzanne Leenhoff, con quien había tenido un hijo ilegítimo poco antes. En 1865 volvió a escandalizar con la obra Olympia, en la que repitió el tema del desnudo femenino y aumentó aún más la intensidad de la luz ambiental, al tiempo que diluía el contorno de figuras y objetos hasta lograr imágenes prácticamente bidimensionales. Denegada su inclusión en la exhibición pictórica que se realizó con motivo de la Exposición Universal de 1867, improvisó una exposición callejera de varias de sus obras más recientes que fue recibida con indiferencia.

En 1868, el joven novelista Émile Zola escribió una laudatoria recensión de su trabajo en la que identificaba a Manet con la figura romántica del artista incomprendido. Tras un breve lapso provocado por la guerra franco-prusiana de 1870-1871, en la que Manet combatió como oficial de la Guardia Nacional, el marchante Paul Durand-Ruel adquirió un número considerable de obras del fondo del artista. Mantuvo buenas relaciones con los jóvenes impresionistas, muy en especial con Claude Monet, aunque siempre se resistió a participar en las exposiciones independientes organizadas por éstos; prefería ofrecer sus obras al Salón y exponerlas en su propio estudio si eran rechazadas.

En su producción de finales de la década de 1870 acentuó el naturalismo de su temática, para otorgar el protagonismo de sus pinturas a prostitutas y coquettes sorprendidas bebiendo o seduciendo a sus jóvenes amantes, y al tratamiento expansivo de la luz. Por último, Manet abandonó su técnica tradicional, el óleo, para pasar al pastel. Paralelamente, su salud experimentó un creciente deterioro a causa de una enfermedad de origen infeccioso originada en su pierna izquierda.

A pesar de ello, en 1882 participó en una importante exhibición de arte francés realizada en Londres, para cuya ocasión presentó Bar del Folies-Bergère, la última de sus grandes composiciones. Al año siguiente se le declaró la gangrena en la pierna enferma y tuvo que ser amputada, operación de la cual no pudo recuperarse y que le acarrearía la muerte poco después. La exhibición póstuma de sus obras, celebrada en enero de 1884, marcó el nacimiento de un creciente reconocimiento de su talla como artista, al que la historia ha concedido el apelativo de padre del impresionismo.

El 20 de abril de 1883, a causa de su enfermedad circulatoria crónica, le fue amputada la pierna izquierda y diez días más tarde falleció a los 51 años de edad.

Fecha: 
Jueves, 30 de Abril 2015 - 09:20

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De 1775 - Nace el pintor William Turner

Joseph Mallord William Turner (Covent Garden, Londres, 23 de abril de 1775 - Chelsea, Londres, 19 de diciembre de 1851), pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia. Aunque es renombrado por sus pinturas al óleo, Turner también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela. Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un prefacio romántico alimpresionismo.

Fecha: 
Jueves, 23 de Abril 2015 - 09:20

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De 1893 - Nace Joan Miró

Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento. En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.

Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencias del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el Museo Reina Sofíade Madrid, el Centro Pompidou de París (Musée National d'Art Moderne) y el MOMA de Nueva York.

Fecha: 
Jueves, 20 de Abril 2017 - 09:40

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De 1452 - Nace Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci) fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista. Nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.

Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido. Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable), puesto que la mayoría no eran realizables durante esa época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.

Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, únicamente se conocen unas veinte de sus obras, debido principalmente a sus constantes (y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica. Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas, llegando a ser igualado únicamente por Miguel Ángel.

Fecha: 
Viernes, 15 de Abril 2016 - 09:20

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