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Rumbo al Oscar 2020 | Crítica Película: Jojo Rabbit

“La vida hay que tomarla con amor y con humor. Con amor para comprenderla y con humor para soportarla.” Anónimo

FICHA TÉCNICA:

Título original: Jojo Rabbit

Director:  Taika Waititi

Actores:  Roman Griffin, Scarlett Johansson, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Sam Rockwell, Rebel Wilson.

Género: Comedia 

Año: 2020

País: Estados Unidos / Alemania

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SINOPSIS:

Historia basada en hechos reales, nos ofrece una versión satírica de los oscuros sucesos acontecidos en la Alemania de la Segunda Guerra Mundial. 

CRíTICA:

Durante los primeros 15 minutos no entiendes bien de que va la cinta, o si ese humor puede ser simpático en un tema tan serio como es la Segunda Guerra Mundial, pero en el minuto 16, empiezas a observar que el humor está sirviendo para decirnos cosas importantes sin solemnidad.

Hacen una parodia de los alemanes adorando a Hitler, sin ningún tipo de cuestionamiento hacia sus acciones, donde nuestro protagonista, un niño de 10 años de edad tiene un amigo imaginario (como muchos niños lo tienen) que es nada menos que Hitler.

Sin embargo, la crítica está dividida con esta cinta, por un lado hay quienes alaban este sentido del humor negro (como yo), y quienes piensan que es una falta total de respeto usar el humor para tratar un tema tan doloroso como fue la persecución de los nazis contra los judíos.

El tema de los nazis y judíos ha sido tratado en diversas cintas de muchas formas, año tras año tenemos este tema que parece no pasar de moda, es un verdadero atrevimiento de Jojo Rabbit acercarnos con un tipo de sarcasmo al tema, pero nunca faltando al respeto. Es más, esta cinta logra conmover más que cualquiera sobre el tema, la sabiduría de la mamá del niño protagonista con palabras dulces y no imponiendo nada, nos da una lección sobre las personas que quieren tener un mundo mejor y en paz.

Se llevo el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Toronto tiene una nominación al Premio Oscar como mejor película del año, y cuatro nominaciones más. Se podría decir que esta cinta es la más arriesgada de las que compite por el Premio Oscar.

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Calificación:

Rangos:  Mala ★ Regular ★★  Buena ★★★  Muy Buena ★★★★

Excelente ★★★★★

MENSAJE:

Creencias absurdas que nunca son cuestionadas por no ejercitar nuestro propio pensamiento.

En este mundo, después de tantos años de estos acontecimientos, parece que no hemos aprendido nada, se viven diario situaciones absurdas como las que está viviendo nuestro país, por personas que no quieren tener contacto con la realidad ni tener sentido común.

La gran amistad que se da entre dos personas de bandos contrarios.

Estrellas: ★★★★★

DIRECCIÓN:

Taika Waititi es neozelandes, ha descrito su película como una sátira antiodio.

Ha hecho cintas como Thor Ragnarok, Avengers y Casa Vampiro.

Estrellas: ★★★★★

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ACTUACIONES:

Roman Griffin da una catedrá de actuación, un niño con una gran naturalidad, que se hubiera merecido que lo hubieran nominado al Premio Oscar.

Scarlet Johansson sale como una madre graciosa, profunda, divertida y está nominada al Premio Oscar como Mejor Actriz Secundaria muy merecidamente, teniendo una gran química con el pequeño actor Roman.

Thomasin McKenzie, es una joven y valiente judía, que vive escondida y que tiene las más emotivas escenas de amor (sí, amor) con Roman.

Taika Waititi, el director que representa al odiado Hitler, logra hacer un papel divertido sobre este horrendo personaje.

Estrellas:  ★★★★★

GUIÓN:

Está basada en la novela del 2008 Caging Skies, de la escritora belga-neozelandesa Christine Leunens .

Muy buen guión, muy entretenido.

Estrellas: ★★★★★

FOTOGRAFÍA:

Muy buena fotografía.

Estrellas:  ★★★★

CALIFICACIÓN  TOTAL:       ★★★★★  EXCELENTE

Twitter: @CINEMABLIX13

 

Autor:

Fecha: 
Viernes, 31 de Enero 2020 - 16:20
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Fecha B: 
Viernes, 31 de Enero 2020 - 18:35
Fecha C: 
Sábado, 01 de Febrero 2020 - 07:35
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1917, la mejor película para ver en tu X-Box One

Por Luis Jurado


Cuando 1917 (2019, Sam Mendes) ganó el Golden Globe a la mejor cinta dramática, un usuario de twitter comentó “Más vale que sea la mejor p**a película de la historia o se van a empezar a soltar los m*dr*z*s en las salas de cine”. Sí, la expectativa por verla, lógicamente, se elevó todavía más por haber destronado a la predilecta del público, Joker y a la obra maestra de la década, The Irishman. Evidentemente, es el caballo favorito de las quinielas en la próxima entrega de los Premios de la Academia.


La cinta cuenta la historia de 2 soldados que durante la 1ª guerra mundial son enviados a avisar a un comando que detengan un ataque que planean porque probablemente se encuentran en una emboscada. Me van a perdonar el spoiler, pero lo que sigue es precisamente lo que ya saben que va a pasar: Uno de los 2 no quiere ir, el otro va porque su hermano es parte del batallón en peligro, hay una escena de acción, luego un momento de paz, otra escena de acción, otra escena de paz, otra escena de acción, otra escena de paz y así. El guión es tan elemental que hasta hace parecer complejos los de Manolo “el Cacas” Caro. Los diálogos son demasiado sosos y no se desarrollan muy bien a los personajes, básicamente porque no hay tiempo para hacerlo entre una tanda de madrazos y otra. Y ese es sólo el más evidente de los problemas que presenta el metraje. Visualmente es apabullante, es quizá la mejor fotografía que se ha visto en cine desde The Revenant (2015, Alejandro González Iñárritu). Vamos, cada fotograma podrían imprimirse y colgarse en cualquier pared. La edición busca dar el efecto de un largo plano secuencia de más de una hora pero por desgracia, no se logra del todo, además que le es difícil cubrir lo anti climático del final.


Mendes intenta abarcar todo y no logra apretar nada. Parece que el muy estimable oficio demostrado en la hoy políticamente incorrecta American Beauty (1999) y en Road to Perdition (2002) o se apagó cuando se encargó de revitalizar al 007 o simplemente le cayeron 2 maravillosos guiones de esos que ni Martha Higareda podría echar a perder. En esta obra, que si bien no es mala del todo, el autor intenta hacer un homenaje a su abuelo que luchó en la 1ª guerra, y sin embargo, está más cercana a una dignificación del combate. En su cinta, los enemigos y los caídos no tienen cara, son un montón de cadáveres y formas anónimas, los alemanes son malos malos, tanto que al intentar salvar a uno de ellos, asesina a uno de los protagonistas (no les digo cuál ni en qué momento, porque no soy tan ojaldra) y los soldados tienen como prioridad la patria, el compañerismo y sobre todo, el salvar la vida de los demás.


Uno de los errores más grandes del trabajo viene de la mano de un personaje en particular: Se corta la mano, le cae un techo entero, se cae de un puente, le disparan, lo persiguen, salta a un río, cae por una cascada y en la siguiente escena empuja un camión atascado como si nada. Es decir, al director se le olvidó que no está en una película de James Bond y que los seres humanos no soportamos el castigo constante a ese nivel, por muy heróicos que intentemos ser.
A pesar de lo hermoso de la fotografía, hay que reconocer que Fernanda Solórzano, en su crítica para Letras libres, observa muy acertadamente que, técnicamente, el realizador llega a banalizar su propia obra al hacerla parecer más cercana a un videojuego que al cine. Y eso es lo que ha apantallado a la mayoría de los críticos millenias y a los que (parafraseando a Solórzano) siempre se la pasan aplaudiendo todo como focas. Ellos crecieron con una narrativa cercana a lo realizado por Mendes, en la que el intérprete es seguido por la cámara a donde va, cumple una misión, tiene un descanso en la que interactúa con personajes que le darán objetos y tips para cumplir su función en su siguiente cometido y así, hasta que llega con un “jefe” y tiene su “cinemática” de cierre. Así funciona 1917. Y esa es la estructura que conforma su guión.


Irving Javier Martínez, en su atinado artículo para ZoomF7 – titulado muy oportunamente, “Arte al servicio de la técnica” – comenta que la cinta es para el público anglosajón lo que Roma (2018, Alfonso Cuarón) fue para los mexicanos el año pasado, es decir “una historia austera promocionada como un trabajo introspectivo y autoral”.

La obra promueve valores que fácilmente pueden llamar la atención de la Academia, porque repite lo que muchas que han ganado su premio, contienen, como el amor a la patria, el valor y el heroísmo altruista y anónimo, que por desgracia, si se mira con detenimiento, es exactamente lo que apela Donald Trump.


Una película regular, que seguramente se disfrutará más cuando salga el videojuego para el X-Box One.

https://youtu.be/plh31-GExC8

 

Autor:

Fecha: 
Viernes, 24 de Enero 2020 - 11:40
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Viernes, 24 de Enero 2020 - 13:55
Fecha C: 
Sábado, 25 de Enero 2020 - 02:55
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Rumbo al Oscar 2020, Crítica Película: Historia de un Matrimonio

“No debería molestarte que me acostara con ella, sino que me riera con ella” Frase en Historia de un matrimonio.

FICHA TÉCNICA:

Título original: Marriage story

Director: Noah Baumbach

Actores:  Adam Driver, Scarlett Johansson, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Azhy Robertson

Género: Drama

Año: 2019

País: Estados Unidos

CRíTICA:

Tiene seis nominaciones al Premio Oscar, incluida Mejor Película.

Historia de un matrimonio se debería llamar historia de un divorcio, la escena que aparece como poster de la cinta en donde los tres integrantes de la familia están felices, realmente nunca sale, esta es la historia de un divorcio doloroso, complicado, como son la mayoría, pero el peor ingrediente y lo que lo hace más difícil es que sí queda amor, esto es un tema universal porque a todos se nos ha roto el corazón con una ruptura de pareja.

Las cosas no cambian, Historia de un matrimonio podría ser una cinta del sueco Ingmar Bergman de hace cincuenta años, en donde nos muestra lo complicadas que son las relaciones humanas y la felicidad.

historia de un matrimonio

Los primeros minutos de la película son los únicos románticos de toda la cinta, empieza con las palabras que los protagonistas nunca se dijeron, pero que fue lo que hizo que se enamoraran uno del otro, pero eso se acaba de un golpe con la siguiente escena y así continúa simplemente desgarradora, sin la posibilidad de comunicación entre los protagonistas, aunque el amor sigue ahí.

Parecería ser que el director Baumbach tomó inspiración de su propio divorcio con la actriz Jennifer Jason Leigh, hay similitudes y por eso le quedó una gran película porque se basó en su propia experiencia.

Nos sentimos identificados con esa palabra que no debimos decir, esa llamada que no llega o estamos esperando y la soledad después de terminar una relación.  También por los lazos construidos con familia o amigos de la pareja que tenemos que dejar.

En los divorcios complicados como el de la cinta, los problemas privados se hacen públicos.

Sin embargo, hay ciertos detalles en la película, que nos dan algo de esperanza, cierta complicidad entre los protagonistas que nos hace pensar que el amor completamente no murió, y nos deja un poco más en paz.

Calificación:

Rangos:  Mala ★ Regular ★★  Buena ★★★  Muy Buena ★★★★

Excelente ★★★★★

MENSAJE:

Las relaciones de pareja son complicadas, si al menos pudiéramos pensar más en el otro y ser menos egoístas tal vez nos ahorraríamos el dolor de una separación.

Hoy en día, la gente se quiere mucho a sí misma y poco al de enfrente.

Estrellas: ★★★★

DIRECCIÓN:

Noah Baumbach lleva muchos años de director, algunas de sus cintas son Kicking and screaming , Mistress America, Mientras somos jóvenes, Margot y la boda, en esta cinta demuestra su madurez como director, está nominado al Premio Oscar al Mejor Guión.

Estrellas: ★★★★

 

historia de un matrimonio

ACTUACIONES:

Los tres actores principales están nominados al Premio Oscar este año.

Adam Driver es un actor versátil que sale del esposo en esta cinta, pero que también ha trabajado en El infiltrado del KKKlan y Star Wars.

Scarlett Johansson sacrificó su glamour por esta cinta, su actuación sí le vale un Premio Oscar, este año está nominada para dos, en esta cinta nos muestra el amor-odio hacia su todavía esposo.

Laura Dern como una abogada, que también parece psicóloga, hace un excelente trabajo.

Estrellas:  ★★★★★

GUIÓN:

Un guión algo lento y duro, narrándonos los pasos a los que se enfrenta una pareja en un proceso de divorcio.

Estrellas: ★★★★

FOTOGRAFÍA:

Buena fotografía.

Estrellas:  ★★★★

CALIFICACIÓN  TOTAL:       ★★★★  MUY BUENA

Autor:

Fecha: 
Viernes, 17 de Enero 2020 - 10:55
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Viernes, 17 de Enero 2020 - 13:10
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Sábado, 18 de Enero 2020 - 02:10
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Terminator: Destino oculto, cuando no puedes vencer al pasado

Desde que se anunció la filmación de Terminator: Destino oculto (Terminator: Dark Fate, 2019) ya contaba con muy bajas expectativas a pesar de que el director sería Tim Miller, maquilador de Deadpool (2016) – y quizá el mejor de los realizadores de cine de acción de los últimos años –, que el creador de la saga, James Cameron it self fungiría como productor, guionista y de contar con el regreso triunfal de Linda Hamilton como la mismísima Sarah Connor, sacrosanta madre de la franquicia. Y es que el muy anticipado fracaso se debe básicamente a que, a pesar de ser una buena película, que respeta el canon impuesto por Cameron en T1 y T2 y que se enfoca más en la aventura y la acción, un tanto en el estilo de la segunda entrega, por desgracia, prometía lo mismo que las demás: Un regreso a lo que tanto se amó en las 2 primeras.

Debido a que la tercera parte, con un terminator femenino, es tan mala que está prohibido pasarla en los reclusorios por eso de que verla es una flagrante violación a los derechos humanos, a la cuarta la presentaron como un borrón y cuenta nueva a partir de la dos, pero era tan mala, que al dar a conocer la quinta, dijeron que comenzarían de nuevo, descartando a las anteriores y regresando a la segunda. Así que aunque la nueva entrega lo hace muy bien, a sus realizadores les tocó ser el novio de la chica a la que cinco tipejos le prometieron que le cumplirían si les daba el “tesorito”, y aunque llegó con anillo de bodas y las llaves de la casa, nomás ya no le quiere creer la susodicha.

La obra se centra en la llegada de una humana “mejorada” del futuro, que es enviada para proteger a una joven mexicana de un terminator con cara de Brayan, que fue mandado para matarla. Para cerrar el cuadro, aparece una no por madura menos badass Sarah Connor, para ayudarles a descuachalangar al robot asesino antes de que las asalte con una Italika que se robó el día 28, afuera de la iglesia de San Juditas.

Lo mejor de la cinta, sin duda alguna, es la presencia de Linda Hamilton, quien a pesar de nunca haber demostrado ser una gran actriz, por lo menos se las arregló para ser creíble como la valiente y paranoica “virgen maría” que dará a luz al salvador del mundo, como se autonombra el personaje. Otra cosa muy afortunada es la dirección de Miller, quien presenta la mejor escena de rejuvenecimiento de toda la franquicia. Esto se debe a que el señor, al haber sido primero especialista en CGI, sabe cómo camuflajear los efectos digitales y no se vanagloria de ellos, como lo hacen en prácticamente todos los blockbusters. Por el lado negativo, hay que reconocer que la historia, a estas alturas, se siente repetitiva y por desgracia, no ha envejecido muy bien.

El motivo por el que está fracasando en taquilla no se debe sólo a la falta de desconfianza del público o que ya estén cansados del pan con lo mismo, sino al hecho de que muchos la ven como una película que se aprovecha de la tendencia de empoderar las mujeres. Y en esta ocasión, por desgracia, al escuchar a ciertos pseudocríticos youtuberos, uno se percata que todavía hay mucho camino en esto de la erradicación del machismo. Y lo más ridículo, es que prácticamente ningún analista se ha percatado que hay un trasfondo poco visible o más bien, que no quieren ver.

Históricamente, los 2 primeros capítulos de Terminator son hijos de la era en que se filmaron. La primera, de 1984, está realizada durante el mandato de Ronald Reagan. En los 8 años en que estuvo el exactor al mando de los Estados Unidos, el cine de esa zona se dividió en dos grandes grupos; por un lado, las que glorificaban la lucha contra el comunismo, filmes patrioteros como Rambo II o Comando. En el otro extremo, estaban las que veladamente, criticaban al sistema. En este último rublo se inscribe la creación de Cameron. La segunda parte tiene lugar en 1991, en pleno mandato de George H W Bush Sr, quien entre otras gracias comenzó una ofensiva contra prácticamente todos los países árabes. Nuevamente, el cine comienza a hacer obras que no están muy de acuerdo con las políticas del Presidente, entre ellas, precisamente, encontramos T2. La última entrega llega precisamente cuando está entrando la recta final del 1er mandato de Donald Trump y se corre el muy probable peligro de una reelección. E igual que con las otras, ahora se usa de pretexto la crítica a las ideas del más neurótico y reaccionario mandatario de U.S.A.

Si se siguen las 3 cintas se puede encontrar, quizá de forma accidental, una anécdota de liberación. De hecho, en toda la franquicia es la avaricia del hombre y el capitalismo salvaje el que lleva a la humanidad a la destrucción. La inteligencia artificial con conciencia propia representa a los gobernantes sin escrúpulos que buscan desmoronar los derechos de los más necesitados, enviando una máquina asesina que no cuestiona sus órdenes En Destino oculto se puede encontrar este mensaje al ver que los personajes representan lo que más desprecia el gobernante de la piel naranja: inmigrantes, mexicanos y mujeres. Quizá sea por aprovechar el signo de los tiempos, sacando partido de la tendencia actual de empoderamiento femenino, pero sin duda, esa es la principal importancia de un filme que sin duda deja mucho en deuda para los que esperaban algo todavía de una franquicia a punto de caducar.

En resumen, una cinta entretenida, con un trasfondo más interesante que otros blockbusters, que desgraciadamente, no pudo contra los prejuicios de la crítica más idiota y que perdió credibilidad por culpa de tres filmes que explotaron irresponsablemente uno de los filmes de ciencia ficción más importantes de la historia.

Autor:

Fecha: 
Viernes, 08 de Noviembre 2019 - 10:00
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Fecha B: 
Viernes, 08 de Noviembre 2019 - 12:15
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Sábado, 09 de Noviembre 2019 - 01:15
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¿Dónde estás, Bernadette?

"No existe ningún gran genio sin un toque de demencia”. Seneca

 

FICHA TÉCNICA:

Título original: Where 'd you go, Bernadette

Director: Richard Linklater

Actores:  Cate Blanchett, Billy Crudup, Judy Greer, Kristen Wig

Género: Drama

Año: 2019

País: Estados Unidos

SINOPSIS:

La cinta narra la historia de Bernadette (Blanchett), una mujer con trastornos de ansiedad, que hace muchos años fue una gran arquitecta.

CRÍTICA:

Es una historia que no se sabe a dónde va a llegar o de qué va, una mujer neurótica, aislada, antisocial y solitaria vive con su esposo e hija en una casa que necesita arreglo pero que ni ella ni nadie arregla, parece que lo único que le interesa es ser una excelente madre de una jovencita, su única hija, y todos los demás que la rodean no le importan, atropellarlos o lo que sea.

Realmente la cinta se trata sobre no tener sentido de vida.

Está cinta está basada en un bestseller y es ahí donde varios críticos la han destrozado, comentando que es imposible poder plasmar el libro tan profundo en una película, pero…yo diría que es una cinta original con una gran gran actriz Cate Blanchet.

Vale la pena verla, la depresión enmascarada de Cate nos hace darnos cuenta de lo que puede ser una insatisfacción en una vida que parece perfecta.

Calificación:

Rangos:  Mala ★ Regular ★★  Buena ★★★  Muy Buena ★★★★

Excelente ★★★★★

 

MENSAJE:

Existen personas que no deberían de seguir los roles que se esperan de ellas en la sociedad, no tiene porqué casarse, la felicidad total la van a obtener de su carrera, no todo el mundo está hecho para lo mismo.

La autorealización se puede encontrar de diferentes formas, hay que seguir nuestra intuición.

Estrellas: ★★★★

DIRECCIÓN:

Richard Linklater,  ha hecho muchísimas cintas como aquella trilogía Antes del amanecer/atardecer/ medianoche, esas cintas de una relación de pareja en tres etapas.

Sus cintas son muy irónicas, ¿Dónde estás Bernadette? no es de sus mejores cintas pero hay que verla.

Estrellas: ★★★

ACTUACIONES:

La actriz Cate Blanchett (ganadora del Premio Oscar dos veces) hace muy poco anunció su deseo por ya no actuar, pues comentó que ya ha tenido suficiente de su profesión, le pedimos que no, todo el mundo debe de ver cualquier cinta donde salga esta gran actriz, por su actuación, como siempre camaleónica como una mujer sofisticada, dura y amargada.

Billy Crudup es muy versatil, sale tanto en cintas de acción como de drama, Buena actuación.

Estrellas:  ★★★★★

GUIÓN:

Es una adaptación fílmica del exitoso bestseller de Maria Semple, que estuvo un año en la lista de Best Sellers del New York Times, además, permaneció 72 semanas en la lista de Best Sellers de NPR Paperback y 12 en la de NPR Hardcover. En 2013 recibió el Premio Alex de la American Library Association.

Por tantos premios hay que leer el libro.

Estrellas: ★★★

FOTOGRAFÍA:

Buena fotografía, sobre todo las escenas en la Antártida.

Estrellas:  ★★★★

 

CALIFICACIÓN  TOTAL:               ★★★★ MUY BUENA

 

Autor:

Fecha: 
Viernes, 11 de Octubre 2019 - 10:00
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Viernes, 11 de Octubre 2019 - 12:15
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Sábado, 12 de Octubre 2019 - 01:15
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Roma: el cine como Bella Arte

Advertencia: este artículo contiene spoilers. Lo escribí pensando en las personas que ya vieron el film. Comento nudos fundamentales de la narrativa, así que léalo bajo su propio riesgo, si es que no ha visto la película. Pero si ya la vio, no dude en leerlo y compartirlo.

Se ha dicho mucho sobre esta cinta: que fue ovacionada de pie en Venecia, que ha ganado los más importantes premios del cine internacional, que los críticos la han elogiado, que es el mejor trabajo de Cuarón; que si el director recrea su niñez o no, y por ende si se trata de una cinta autobiográfica; o si existió una estrategia comercial de Netflix y de los productores para crear una expectativa sin precedentes en su estreno; que si millones de personas mordieron el anzuelo y se desbocaron a ver Roma… se ha dicho tanto… y quizá todo sea verdad. Pero eso es secundario. Explico.

Una persona puede aproximarse a una obra de arte –música, pintura, escultura, cine, el arte que usted diga–, y lo puede hacer de muchas maneras. Una de ellas es abordar la obra en sí misma, es decir, con independencia de cualesquiera otros factores, incluso sin considerar en un primer momento quién la creó. La obra de arte debe sostenerse, hablar por sí misma, de ningún modo depender de la subjetividad de quien la contempla. La obra de arte ya está ahí, frente a uno; es un universo ya creado, el espectador no le puede añadir ni quitar nada, por más que existan teorías estéticas según las cuales el observador crea la obra. Roma debe ser así contemplada –que no simplemente vista, pues se trata de una obra de arte. Si ha ganado premios, si se han escrito ríos de tinta sobre ella, si es o no autobiográfica, si los críticos dijeron esto o lo otro, todo eso hay que dejarlo a un lado antes de ver el film (incluso hay que dejar a un lado lo que diga yo, si usted no ha visto el film).

Después de ver Roma, lo único que puedo decir es que es una obra cinematográfica del más alto nivel: una verdadera obra de arte. Y no es que me impresione cualquier cosa. He tenido la buena fortuna de estar muy cerca del arte desde niño, y el cine no fue la excepción: a lo largo de mi vida he visto los trabajos de los más grandes directores de todas las épocas. La fotografía de Roma es poética, una caricia para la vista. Y tan importante como la imagen es el sonido. Las texturas sónicas del film tienen en sí mismas un poder evocativo tremendo. Al momento en que se une la imagen y el sonido, uno se va de espaldas, sin siquiera considerar la historia. Cuarón demuestra con Roma que está en la cúspide de sus poderes artísticos.

La historia es épica. En realidad son dos las historias principales: la de Cleo y la de Sofía, historias que también son paralelas. No hace falta que el personaje sea un dios mitológico o que haya conquistado el mundo para que una narrativa sea épica, y eso es precisamente uno de los puntos más destacables del film. Cleo y Sofía son dos heroínas urbanas y se enfrentan a la fatalidad juntas. La historia de Cleo es épica en toda la extensión de la palabra: no necesita ser Gala Placidia, Leonor de Aquitania o Juana de Arco para que su epopeya esté al nivel. No. El pathos que la envuelve, su situación existencial, su estar-arrojada-en-el-mundo, su condición social, la adversidad de un embarazo no deseado, la marginación, la soledad de su alma… todo ello la convierte en una heroína de talla universal, por más que se piense que lo que digo es hiperbólico. Por eso la película ha conquistado y ha cautivado: el personaje Cleo es monumental. Los tres momentos más emotivos del film son sus momentos: 1) la tienda de muebles en la que se encuentra cuando un grupo paramilitar asesina a un manifestante; 2) el momento en que da a luz a una niña muerta; 3) la escena de la playa, en la que, sin saber nadar, salva a los hijos de Sofía. Tres momentos de tremendo poder que podrían llevar a cualquiera al paroxismo emocional, y no por sensiblería, sino por la fuerza del destino; tres momentos maravillosamente logrados por Cuarón y por los actores; tres momentos que bien le podrían valer el Oscar a la mejor película y al mejor director.

Yalitzia Aparicio muy probablemente sea nominada a mejor actriz en la entrega del Oscar. Si no gana, de todos modos habrá triunfado: es más, ya ha triunfado desde ahora. Marina de Tavira nos ha brindado una convincente actuación. Alfonso Cuarón ha recreado impecablemente una época y nos ha hecho viajar en el tiempo. Me atrevo a decir que el realismo del que se ha valido (quizá hiperrealismo), es tan grande como el neorealismo italiano, y eso ya es mucho decir.

El valor de una obra de arte no puede depender del espectador. Si al espectador no le gusta, de ahí no se sigue que la obra de arte sea mala. No se vale decir: «tal o cual obra de arte es mala, es basura, está aburrida, no tiene ton ni son.» Mejor decir: «al contemplarla –si es que se contempló–, no pude comprenderla, de manera que mi propia limitación me impide emitir un juicio.» Esto que estoy escribiendo quizá parezca elitista y hasta snob, pero no es así. Es verdad que el gran arte exige al espectador. No cualquiera puede abordar una sinfonía de Shostakovich, una novela de Thomas Mann o una película de Fellini (tampoco es que Roma sea un film particularmente difícil; es muy accesible). Es más, en ocasiones la obra de arte es de tal factura que sólo los muy conocedores podrían apreciarla. Para ejemplo basta decir que a veces ni siquiera músicos muy competentes son capaces de entender lo que sucede en Die Kunts der Fuge, de Bach. Y así podría dar ejemplos en todas las artes. Y con esto no quiero significar que el que no es capaz de apreciar sea menos; nada de eso. Es verdad que el gran arte exige; pero también es verdad que la obra de arte tiene un valor intrínseco que no depende del gusto ni de la contemplación del espectador. Yo creo que algo así está pasando con Roma, por cuanto hace a los comentarios adversos de mucha gente. Vale decir: «no me gustó» o «no la entendí», porque también es cierto que la contemplación es subjetiva; pero no vale emitir un juicio estético si no se han comprendido ni apreciado sus muchos elementos.

Roma es una gran película. Va más allá del cine de entretenimiento. Lo que hizo Cuarón fue cine como Bella Arte. Quizá nadie recuerde “Rápido y Furioso” o “Transformers” en cincuenta o setenta años, porque son productos que prescinden del elemento estético del gran arte y sólo se centran en el entretenimiento –que también se vale, no digo que no–; pero en cincuenta años, o en cien, Roma seguirá siendo una obra maestra. El verdadero arte es perenne.

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Fecha: 
Jueves, 20 de Diciembre 2018 - 14:35
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Fecha B: 
Jueves, 20 de Diciembre 2018 - 16:50
Fecha C: 
Viernes, 21 de Diciembre 2018 - 05:50
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Hunger Games

Hoy se estrena por fin la última parte de la saga. Llega a los cines “Los juegos del hambre: Sinsajo el final”, probablemente una de las películas más esperadas del año.

No les voy a mentir, cuando salieron los libros y se convirtieron uno a uno en películas, estaba renuente a leerlos y verlas. Por todos lados escuchaba el nombre, críticas, opiniones, todos querían verlas, pero yo no. Cuando me hablaron un poco sobre la trama pensaba que se trataba de otra novela gringa en la que los participantes de un juego se matan entre ellos sin razón alguna por orden de los productores del programa. Algo al estilo de The Condemned de “Stone Cold” Steve Austin. No, no me interesaba.

Pero el ocio y aburrimiento siempre lo orillan a uno a caer en lo menos querido. Uno de esos días largos en los que no se tiene nada que hacer me dediqué a buscar alguna película que ver en internet. Increíblemente no encontré nada que en ese momento llamara mi atención, sin embargo Hunger Games se aparecía en cada búsqueda, no tuve más remedio que verla. El resultado: a la siguiente semana estaba viendo la segunda parte y en cuanto Sinsajo salió al cine, ahí estaba yo. Y es que nunca me imaginé que la trama tuviera tanto de real. La película aborda temas políticos y sociales que no están nada lejos de nuestra realidad y, a como va el mundo, no es nada loco pensar que un día terminemos así. El control del gobierno y de los medios de comunicación es tal que muchas veces no sabemos qué hacemos por convicción y qué por manipulación.

Esas fueron las cosas que me atraparon desde la primera película. Lo que vemos en ella es la metáfora del dominio absoluto que tienen las esferas del gobierno y empresarios por mantener las clases sociales como hasta ahora para poder mantener el control de las cosas. Y, como ha sido siempre, cuando hay un rebelde que quiere luchar por cambiar las cosas, se le manipula de alguna otra manera para que al final termine aceptando su condición. Por eso tiene tanto éxito la saga, le personaje de Katniss Everdeen representa a ese rebelde inquebrantable y que lucha hasta las últimas consecuencias sin dejarse intimidar que todos queremos ser.

Si bien Los juegos del hambre no es otra cosa que el juego en sí mismo donde los participantes son obligados a matar o ser muertos, nos mete en la historia para explicarnos toda esta manipulación que vemos en la primera parte de Mockingjay. Y cuando pensamos que por fin se acaba toda esta lucha por el poder, el dominio, manejar al pueblo a conveniencia de unos pocos, nos damos cuenta que este movimiento rebelde cae en lo mismo: aprovechar la imagen de alguien, su carisma, el respeto, amor o admiración que le tiene la masa, para usarlo a favor del movimiento. Eso termina siendo la protagonista, un instrumento manipulado tanto para bien, como para mal.

Sin ser fatalistas, sin ser un creyente de la teoría de la conspiración, lo que etas películas nos revelan no son otra cosa que la realidad: La política, los medios, la publicidad, todos forman parte de un solo instrumento que controla al mundo a conveniencia y gusto de unos cuantos. Vale la pena verlas.

Voy vengo.

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Fecha: 
Viernes, 20 de Noviembre 2015 - 18:00
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Encuentro entre Osorio Chong y estudiantes, la importancia de saber inglés y la película "El Fuego Inolvidable"

Esta tarde me acompañan Tere Vale, Mónica Belén y Bernardino Esparza. Analizamos el resultado del encuentro del Secretario de Gobernación, Miguel Ángel Osorio Chong, con los estudiantes del Poli. Comentamos sobre la importancia de saber inglés. El director de cine Fernando Benítez nos explica qué es lo que quiere decirle al público por medio de su película El Fuego Inolvidable. Arturo Bodenstedt, autor de la Guía Mexicana de Vinos, presenta la 7a Edición de su guía. Tomás Borges nos recomienda un buen libro y Mónica Belén nos aconseja qué hacer este fin de semana en la Ciudad de México.

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Viernes, 03 de Octubre 2014 - 19:30
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