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Crítica Película: “Al ritmo del corazón”

 “Cuba es una sola y la llevo dentro”. Carlos Acosta

 

FICHA TÉCNICA:

Título original: Al ritmo del corazón

Director: Iciar Bollain

Actores:  Carlos Acosta, Keyvin Martínez, Edison Manuel Olvera, Santiago Alonso.

Género: Biopicture

Año: 2019

País: España, Inglaterra y Alemania

 

SINOPSIS:

Juli es un niño que reside en Cuba, y del que su padre, descubre que tiene un talento innato para bailar ballet. Contra su voluntad, el papá lo lleva a la Escuela Nacional de Danza Cubana, y a pesar de no querer entrar al principio, termina saliendo de Cuba y bailando en los escenarios más importantes del mundo, este niño fue el primer artista de color en interpretar el papel de “Romeo” en el Royal Ballet de Londres.

CRíTICA:

Es la biopic del bailarín cubano Carlos Acosta.

Podríamos decir que es todo lo contrario como película que el Guasón, en el sentido que es convencional, en tanto que el Guasón da giros en la trama, digamos que en Al ritmo del corazón te imaginas más o menos qué va a pasar, pero no por eso deja de ser una cinta entrañable, que disfruta uno mucho viéndola.

Hay saltos continuos en el tiempo y nos muestra a Juli de niño, adolescente y adulto, también hay coreografías que nos van relatando su vida de una forma muy creativa.

En el tiempo que dura la cinta, no hay momentos de tedio o que sobren, nos va mostrando cómo era su vida en Cuba, las faltas de oportunidades, el cómo vive la gente, la enorme tristeza que sienten cuando familiares se van del país y probablemente no los vuelvan a ver por el régimen.

Vemos la vida de Acosta, llena de privaciones, pero también de felicidad en su país.

Acosta estudió ballet en la Escuela Nacional de Ballet de Cuba, donde sus maestros se dieron cuenta desde el principio lo excepcional bailarín que era; ha bailado con el English National Ballet, Ballet de Houston y American Ballet Theatre, miembro permanente de Royal Ballet de Londres desde 1998 y en 2003 fue promovido a principal bailarín invitado; en 2014 recibió de la reina Isabel II de Inglaterra la medalla de Comendador de la Excelentísima Orden del Imperio Británico, creó una fundación en apoyo a Acosta Danza, con sede en Cuba.

Calificación:

Rangos:  Mala ★ Regular ★★  Buena ★★★  Muy Buena ★★★★

Excelente ★★★★★

MENSAJE:

Sobre todo es una cinta completamente inspiradora, de superación personal, un niño cubano gracias a su talento, esfuerzo y a su terco padre llega a ser un primer bailarín.

Nos hace cuestionarnos qué es mejor, si desarrollar nuestros talentos naturales o la convivencia con nuestros amigos y familia en nuestro querido país de origen.

La melancolía del expatriado, ¿vale la pena por cumplir un sueño?

Estrellas: ★★★★★

DIRECCIÓN:

Esta cinta está dirigida por la actriz y directora española Iciar Bollain, ella también ha dirigido las cintas Te doy mis ojos, También la lluvia, entre otras.

Buena dirección.

Estrellas: ★★★★

ACTUACIONES:

Carlos Acosta sale de él mismo en la etapa adulta y obtuvo una nominación en los Premios Goya 2019 como Mejor actor revelación.

El niño Edison Manuel Olvera tiene una actuación sumamente natural, Keyvin Martinez del joven Carlos Acosta nos convence.

Y sobresale el padre de Carlos Acosta que lo hizo el actor Santiago Alonso, aunque tiene un papel en donde es sumamente duro con su hijo, logramos empatizar con él porque realmente quiere lo mejor para su hijo.

Estrellas:  ★★★★★

GUION:

Jamás decae el guion, y nos mantiene completamente concentrados, desde los bailes, el pasado y presente del protagonista.

Estrellas: ★★★★

FOTOGRAFÍA:

Buena fotografía

Estrellas:  ★★★★

CALIFICACIÓN  TOTAL:               ★★★★   MUY BUENA

Autor:

Fecha: 
Viernes, 29 de Noviembre 2019 - 09:00
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Fecha B: 
Viernes, 29 de Noviembre 2019 - 11:15
Fecha C: 
Sábado, 30 de Noviembre 2019 - 00:15
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Crítica Película: Polvo

“¿Por qué México, mi país, es tan extraño que está formado, a mitad y mitad, de una fuente inagotable de ternura y de un pozo profundo de bestialidad?”

Benito Juárez

 

FICHA TÉCNICA:

Título original: Polvo

Director: José María Yazpik

Actores:  José María Yazpik, Mariana Treviño, Jesús Ochoa, Angélica Aragón, Joaquín Cosio

Género: Comedia

Año: 2019

País: México

 

SINOPSIS:

“El Chato” es un hombre que salió de su pueblo natal para convertirse en actor, pero diez años después regresa al pueblo con una misión, tiene que recuperar un cargamento de droga esparcido por una avioneta.

CRíTICA:

De todo el cine mexicano que se ha hecho últimamente, la película Polvo de José María Yazpik es de las mejores, con un tema que no es de comedia romántica como son la mayoría de las cintas, Yazpik nos lleva a un tema duro pero llevado a la comedia negra con mucho humor.

En esta cinta hay reencuentros, narcos, amores y polvo…

En ningún momento decae el ritmo en la cinta y entre grandes actores y personas reales del pueblo donde se filmó, se logra una cinta muy entretenida y agradable.

Calificación:

Rangos:  Mala ★ Regular ★★  Buena ★★★  Muy Buena ★★★★

Excelente ★★★★★

MENSAJE:

Todo lo que no haríamos por dinero, es mucho.

El protagonista y el pueblo inocente acaban seducidos por igual.

El dinero no da la felicidad, pero la sensación puede ser tan parecida.

La cinta no pretende moralizar a nadie.

DIRECCIÓN:

Es la ópera prima de José María Yazpik, y justo la filmó en el pueblo de San Ignacio Mulegé, en Baja California Sur, en donde nació su padre, a Yazpik le tomó diez años escribir, dirigir y que se estrenara Polvo.

Se nota que a Yazpik se le da la dirección y todo fluye de manera natural.

Estrellas: ★★★★

ACTUACIONES:

Tenemos en esta cinta a varios de los mejores actores de México, en el papel principal está José María Yazpik como un persuasivo y simpático bribón que organiza descaradamente a todo un pueblo a que lo ayude en sus fechorías.

Mariana Treviño como el amor de su vida, que la dejó como “novia de pueblo”, Jesús Ochoa que como el gran actor que es, no hay papel chico para él, aunque sale poco, Angélica Aragón como la mamá de Yazpik con la naturalidad que la caracteriza, y Adrián Vázquez como el esposo macho mexicano.

Cabe mencionar a un personaje entrañable que es un anciano del pueblo que como empieza a tener más dinero inicia a actuar como rico vistiéndose mejor y tomando su cerveza en copa.

El acento que utilizan por esos lugares es uno de los más agradables de nuestro país, el norteño.

Estrellas:  ★★★★

GUIÓN:

Es escrito por Yazpik y el dramaturgo Alejandro Ricaño. Siempre conserva frescura y diversión, aparte de mostrar la vida cotidiana en un pueblo de México, como hay muchos.

Estrellas: ★★★★

FOTOGRAFÍA:

Buena fotografía.

Estrellas:  ★★★

CALIFICACIÓN  TOTAL:               ★★★★       MUY BUENA

 

Autor:

Fecha: 
Viernes, 22 de Noviembre 2019 - 08:25
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Fecha B: 
Viernes, 22 de Noviembre 2019 - 10:40
Fecha C: 
Viernes, 22 de Noviembre 2019 - 23:40
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Polvo o cuando eres más pequeño que el Guggenheim

Cuando vi Polvo (2019), el debut profesional del actor José María Yazpik, sentí un aire familiar al escuchar el primer parlamento de Jesús Ochoa, un chiste nada gracioso que narra la disyuntiva a la que se enfrenta un abogado que entrenó a una persona para que pudiera ganar una demanda, bajo la promesa que al terminar le pagaría. Cuando el leguleyo en cuestión intenta cobrarle le dice que no va a pagarle, aunque lo demande, pero que piense que si gana el juicio, significa que no tiene por qué darle nada y si pierde, no tiene que pagarle porque le mintió y no le enseñó bien. El remate del chiste malo es genial e inesperado: “Lo leí mientras estaba cagando”. De alguna manera, dicho soliloquio me recordó el humor de Alejandro Ricaño, al que admiro desde hace años y que es sin duda uno de los mejores, sino es que el mejor, de los dramaturgos mexicanos contemporáneos. Y mayor fue mi sorpresa cuando en los créditos vi que el guión estaba firmado al alimón por el director y el prestigiado narraturgo.

Polvo, ubicada en los años 80, cuenta la historia de un pobrediablezco aspirante a actor (nuevamente una constante de RIcaño) que es obligado a regresar a su pueblo para recuperar un cargamento de cocaína que una avioneta accidentada tuvo que tirar para tratar de salvarse. El regreso significa encontrarse con sus amores pasados, su familia con quien no parece tener nada que ver, sus amigos y un mundo que lo hace debatirse entre lo que perdió y lo que nunca quiso tener.

La cinta está estupendamente fotografiada, las actuaciones, principalmente del trío protagonista, son muy correctas y se nota una extraordinaria química entre ellos, lo que genera un timing excelente en esos extraños diálogos que dicen todo y no hablan de nada. Mariana Treviño demuestra que cuando no tiene que gesticular como loca y hay un buen director detrás de ella, puede llegar a ser extraordinaria y Adrian Vázquez (quien ha trabajado desde el inicio con Ricaño), crea un muy entrañable policía, maestro, entrenador y amante desesperado, que hace un estupendo contrapeso con el personaje de Yazpik. Desgraciadamente, el anticlimático final, echa a perder un trabajo que sobresale de los que han realizado los otros “Charolastras” (Diego Luna y Gael García Bernal).

Polvo, aunque tome como pretexto la recuperación de la cocaína, no es un narco-film sino un análisis superficial, por desgracia, de la realidad del país, en el que incluso en esos paradisiacos lugares (no tiene nada que ver con la miseria retratada en Heli, de Amat Escalante o en Rambo: Last Blood), conviven la miseria de unos y la abundancia de otros. Hay abusos de poder, diferencias sociales muy marcadas, racismo (güerocrácia y prietocrácia) y ambición desmedida. Algo más que se puede encontrar es una reflexión sobre los paraísos perdidos. El personaje de “el chato” (Yazpik), mira al regreso a su terruño todo lo que pudo ser su vida si no tuviera que vivir en una farsa, si no hubiera decidido perseguir un sueño absurdo. Es un filme de perdedores entrañables, como todas las creaciones de Ricaño. Y sí, lo que he buscado decir desde el principio, es que parece más el debut del guionista/dramaturgo/director, que la de su realizador.

Polvo es, para pesar y ventaja de Yazpik, más afín al universo del creador de los más curiosos montajes que han estado en la cartelera mexicana: Más pequeños que el Guggenheim y El amor de las luciérnagas son las dos de las obras de autor más exitosas del teatro contemporáneo. Las dos llevan más de 5 años en escena y se han replicado en muchas partes del mundo. En ellas, así como en sus menos populares, pero no desconocidas, Idiotas contemplando la nieve y Lo que queda de nosotros, existen muchos de los planteamientos que sostienen a Polvo: La añoranza por el pasado, el peso y la consecuencia de los sueños, los silencios y palabras sin sentido que dicen más que el escándalo, la naturaleza humana y la provincia mexicana. Quizá esto se deba a que los guionistas coincidieron (con Adrián Vázquez incluido) en Un hombre ajeno. Tal vez, durante esa temporada, nació la idea de que el narrador contara la historia que planeaba el actor. Será por eso que su ópera prima huele más a Riñón de cerdo para el desconsuelo que a Polvo de cocaína.

Es una lástima que nadie se haya percatado de esto, que la crítica y la prensa sólo se conformen en ver la superficie y no se fijen en el fondo. Aunque esto, para nada demerita la primer cinta del protagonista de No sé si cortarme las venas o dejármelas largas, por el contrario, da esperanza de que en un siguiente trabajo siga con ese ímpetu de hacer cosas diferentes a lo habitual en una cinematografía atascada de comedias idiotas, comedias románticas, narco filmes y obras tan herméticas y deprimentes que solo los jurados de los festivales aguantan ver.

Polvo es un magnífico debut tanto de un novel y prometedor director como de un extraordinario dramaturgo, que llega dignamente a las pantallas. Ojalá y que su trabajo no se pierda en el Polvo.

Autor:

Fecha: 
Viernes, 15 de Noviembre 2019 - 08:40
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Fecha B: 
Viernes, 15 de Noviembre 2019 - 10:55
Fecha C: 
Viernes, 15 de Noviembre 2019 - 23:55
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Crítica Película: Doctor Sueño

“La mente era una pizarra. La bebida, el borrador”. Frase del libro Doctor Sueño

FICHA TÉCNICA:

Título original: Doctor Sleep

Director: Mike Flanagan

Actores:  Ewan McGregor, Rebecca Ferguson, Zahn McClarnon, Carl Lumbly

Género: Terror

Año: 2019

País: Estados Unidos

SINOPSIS:

Doctor Sueño retoma la historia de Danny Torrance 39 años después de haber estado con sus padres en el hotel Overlook. Dan es alcohólico y su vida quedó destrozada por este evento, perdiendo todo, menos el don de tener el resplandor, una intuición para adivinar cosas del pasado y futuro.

CRíTICA:

Doctor Sueño es la secuela escrita por Stephen King de El resplandor, la cinta El resplandor de Stanley Kubrick se estrenó en 1980, con rapidez se convirtió en un clásico, hay que decir que el escritor de la novela, Stephen King, no quedó conforme con la película porque Kubrick le hizo muchos ajustes, después King haría su propia adaptación de su novela sin mucho éxito. En esta ocasión Stephen King está muy satisfecho con la cinta de Doctor Sueño porque está muy cercana a su libro.

Para los amantes de Stephen King, esta cinta les va a parecer maravillosa, para los que no sabían que no lo eran, no les va a gustar.

El resplandor es mi película favorita de suspenso, aparte de una de mis cintas favoritas de cualquier género, me imagino que muchos como yo corrimos al primer cine en cuanto la estrenaron, que decepción, lo mejor de la cinta es cuando vuelve a salir el Hotel Overlook (en dónde se filmó El resplandor) y tratan de recrear personajes de la primera parte con actores actuales, con parecido, y podemos soñar que estamos viendo la primera parte.

De lo demás, demasiados temas: Dany alcohólico por traumas por su papá y el hotel, un gato con poderes extrasensoriales, un clan diabólico, una niña con el don de el resplandor que no le importa nada que un familiar cercano se muera, la cinta es densa, aburrida, sin emoción.

Mi recomendación es que las personas que no pudieron ver la película de hace 39 años El resplandor, no dejen de verla, ha estado en cines últimamente pero si no tienen la suerte de encontrarla, búsquenla porque es una gran película donde el director obsesivo compulsivo Stanley Kubrick repetía las escenas hasta 60 veces para que quedaran perfectas y aparte hizo que a la actriz principal Shelley Duvall, todo mundo fuera indiferente con ella para que se sintiera realmente aislada en un hotel en el invierno y logró sacar de ella la mejor actuación posible, y qué decir del loco favorito por excelencia Jack Nicholson, que hizo una creación de su personaje.

Calificación:

Rangos:  Mala ★ Regular ★★  Buena ★★★  Muy Buena ★★★★

Excelente ★★★★★

 

MENSAJE:

Hay unas escenas del grupo Alcohólicos Anónimos en dónde muestran cómo es la dinámica, esto podría servir para personas que tienen el mismo problema y que se puedan decidir a ir.

Por lo demás no hay otros mensajes positivos.

Aclaro que una buena o mala película, no depende sí tiene o no mensajes positivos.

Estrellas: ★★

DIRECCIÓN:

Doctor Sleep fue dirigida por Mike Flanagan, cineasta que estuvo al frente de La Maldición de Hill House, una excelente serie de terror de Nexflix, que recuerda algo a El resplandor, también se hizo cargo de cintas como Ouija: El Origen del Mal y Gerald's Game adaptación de otra novela de Stephen King. Es un buen director.

Estrellas: ★★★

ACTUACIONES:

Ewan McGregor es un gran actor, lo que le pongas a actuar lo va a hacer bien, aquí no es la excepción

Rebecca Ferguson, en un papel como de bruja también lo hace bien y la jovencita Kyliegh Curran también tiene una buena actuación

Estrellas: ★★★★

GUIÓN:

Basado completamente en el libro de Stephen King, mal guión.

Estrellas: ★

FOTOGRAFÍA:

Buena fotografía.

Estrellas: ★★★★

 

CALIFICACIÓN  TOTAL:                            ★★  REGULAR

Autor:

Fecha: 
Viernes, 15 de Noviembre 2019 - 08:20
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Fecha B: 
Viernes, 15 de Noviembre 2019 - 10:35
Fecha C: 
Viernes, 15 de Noviembre 2019 - 23:35
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Proyecto géminis: El dinero mata la dignidad

Desde que el cine introdujo entre sus géneros la ciencia ficción se ha especulado sobre los androides, los clones y los dobles llegados de realidades paralelas. Hay grandes obras sobre el tema, como Metropolis (1927, Fritz Lang), The Terminator (1984, James Cameron), Multiplicity (1996, Harold Ramis), entre muchas otras. Pero Proyecto géminis (Gemini Man, 2019) la última obra del galardonado Ang Lee, no entra en la extensa lista.

Cuenta la leyenda que a mediados de los años 90, el guionista Darren Lemke le presentó a los estudios Disney la idea de la película, que habla sobre un asesino y espía a punto de retirarse y que es traicionado por el gobierno, quienes envían a un clon de él mismo, pero en versión joven, a matarlo. El asunto les pareció interesante, primero al productor Jerry Bruckheimer y después a Ang Lee, quienes empezaron el desarrollo no sólo de la producción sino de la tecnología necesaria para poder llevar a cabo la titánica labor de rejuvenecer al actor que fuera a protagonizar el filme. Incluso hay un video con una prueba temprana para determinar si era posible.

Pero debido a que no les satisfizo la prueba, el proyecto fue almacenado hasta apenas hace dos años, gracias a que los avances técnicos ya son lo suficientemente eficientes para poder realizar el trabajo y a la obsesión de Hollywood por rejuvenecer y revivir muertos. Sin embargo, mejor lo hubieran dejado enterrado. El lado positivo del filme es que cuenta con una fotografía impecable, está filmada en 3d nativo (la mayoría de las cintas exhibidas en ese formato están realizadas en 2d y transformadas digitalmente), en 4k a 120 fps y con sonido Dolby Atmos y por fortuna, en México puede verse así; el ritmo es frenético y no permite darse tiempo para aburrirse, amén de que hay excelentes escenas de acción – la persecución en motocicletas por Cartagena y la pelea en la ferretería son asombrosas – aunque esto no es suficiente para lograr una buena película.

El asunto está demasiado envejecido y ya se ha visto en innumerables ocasiones, siempre con resultados poco satisfactorios o trascendentes, como en The kid (2000, Jon Turteltaub) y Looper (2012, Rian Johnson), curiosamente, las 2 con Bruce Willis de protagonista. Will Smith insiste en demostrar que las nominaciones al Óscar por The pursuit of happyness y Alli fueron pura méndiga casualidad y quien no conozca a profundidad la obra de Ang Lee no comprenderá el porqué decidió realizar un filme tan mediocre.

El director parece estar obsesionado desde el inicio de su carrera en que los padres son los responsables de en qué se transforman sus hijos. Desde que apareció en la escena mundial con The Wedding Banquet (1993), se veía cierta inclinación a criticar a la familia como causante de los males que aquejan al mundo, lo cual se repite en menor medida en Eat Drink Man Woman (1994). En The Ice Storm (1997), Lee se encara directamente en esta situación, destrozando por completo la forma en que se ve la familia en el cine y termina por darle la estocada en 2 de las obras más famosas de su carrera: Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000) y Hulk (2003). En la primera, el padre de familia es sustituido por un maestro que debe detener a su discípulo aunque tenga que matarlo y en la segunda, el villano es un padre que, literalmente, hace todo lo posible por volver a su hijo un monstruo. Y es precisamente esta última la que se parece más a Proyecto géminis.

Al igual que en Hulk, el “padre” es el responsable de volver al “hijo” una bestia. En este caso, el jefe del proyecto de marras, que decide tratar al clon de Will Smith como su hijo para de esta manera asegurarse que se va a volver el mejor asesino del mundo y a su vez, que será un soldado eficiente y fiel. Sin embargo, al darse cuenta de quién es y cuáles son los motivos de su “padre”, “Junior”, como le llaman escuetamente al doble, decide revelarse y apoyar a su yo mayor, que a final de cuentas se volverá como un segundo padre. Y las similitudes con la fallida adaptación del gigante verde de los cómics y esta, no se quedan ahí. Al igual que ocurrió con su visión del personaje de Marvel, parece que el realizador hongkonés no sabe diferenciar un trabajo de encargo de uno personal. En la del “Hombre increíble”, quiso realizar una obra reflexiva, que a su vez homenajeara al medio de donde salió el material original, así como a la serie de tv sobre el mismo que se volvió famosa en los 70, pero que también fuera comercial y espectacular, fracasando de forma escandaloza. Quizá por lo mismo, en esta última ocasión se nota que el productor no lo dejó encargarse del corte final y por desgracia, el resultado está más cercano a Bad boys o Armageddon. Algo que todavía empata más a las 2 cintas es sin duda el hecho que a Lee, parece que le gusta mucho eso de los personajes digitales.

El japonés Masahiro Mori acuñó una teoría a la que llamó “el valle inquietante”, la cual explica que los seres humanos tenemos un mecanismo de rechazo hacia figuras u objetos que se asemejen demasiado a nosotros. Un ejemplo sería que un personaje animado, aunque sea un hombre o mujer, que se parezca lejanamente a nosotros (Los Simpson, por ejemplo), que a pesar de que sabemos que representa a alguien de nuestra misma especie, por sus características visuales no permite que nos identifiquemos con él. Sin embargo, uno creado a imagen y semejanza nuestra, comienza a sernos desagradable y a generarnos incomodidad. Muchos dicen que eso fue lo que generó el fracaso de obras fílmicas como Final Fantasy: The Spirits Within (2001, Hironobu Sakaguchi), Mars Needs Moms (2011, Simon Wells) y ahora quizá esta.

Quién sabe porqué sus realizadores se inclinaron por usar un clon generado totalmente de forma digital en lugar de una técnica de rejuvenecimiento en el actor. Quizá porque esta última tecnología está todavía en pañales y sus resultados no son del todo satisfactorios en muchos casos (echen un ojo al tráiler de The Irishman). Y aunque el fruto de esto es apabullante y quizá sea la mejor creación humana hecha en una computadora, hay algo en “Junior” que automáticamente nos manda al “valle inquietante”. De alguna manera, desde los avances, uno sabe qué es lo que está viendo y lo que se busca es encontrarle defectos, ya sea que los ojos son demasiado brillosos, o que la voz está descuadrada por micromilésimas de segundo, o lo que sea. El caso es que uno no puede nunca entrar en la convención de que es un doble joven del personaje principal y a final de cuentas, termina rechazando la obra, aunado al hecho de que cuenta con el final más ñoño de los últimos años.

Hay productos que por muchas causas se fueron atrasando y cuyos autores se obsesionaron tanto con ellos que hicieron todo lo posible por terminarlas. Desafortunadamente, quizá por el tiempo pasado desde su concepción hasta su final pasó demasiado tiempo, que terminaron siendo sendos fracasos. The Man Who Killed Don Quixote (2018, Terry Gilliam), Boyhood (2014, Richard Linklater), The Other Side of the Wind (2018, Orson Welles), entre otras, acabaron como los productos más fallidos de sus realizadores y tristemente, la última de Ang Lee será recordada como otra más que debió quedarse en el recuerdo de sus creadores.

En el año en que volvieron triunfalmente Quentin Tarantino y Pedro Almodovar, resulta frustrante ver al antaño explosivo y talentoso director chino convertido en uno más del montón, en un fallido émulo de Michael Bay (Transformers). No cabe duda que el dinero mata la dignidad.

Una obra ágil, mediocre y que da más tristeza que coraje. Un fracaso total pero filmado en un 3d bien bonito.

Autor:

Fecha: 
Viernes, 18 de Octubre 2019 - 09:00
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Fecha B: 
Viernes, 18 de Octubre 2019 - 11:15
Fecha C: 
Sábado, 19 de Octubre 2019 - 00:15
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Crítica Película: GUASÓN

“Los buenos son los que se contentan con soñar aquello que los malos hacen realidad”. Sigmund Freud

 

FICHA TÉCNICA:

Título original: Joker

Director:  Todd Phillips

Actores:  Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Frances Conroy, Zazie Beetz

Género: Drama

Año: 2019

País: Estados Unidos

SINOPSIS:

Arthur Fleck, es un hombre solitario y retraído, con sueños inalcanzables y una risa que no puede controlar. Tiene una aversión hacia la sociedad debido a que lo han maltratado muchas veces, esto lo lleva a acumular tensión, y un día explota vestido de payaso y todo lo convierte en un caos.

CRíTICA:

Parece que Guasón va a arrasar con todos los premios de la temporada, ya se ganó el León de Oro en Venecia, de esta cinta la cineasta Lucrecia Martel dijo: “Me parece remarcable que una industria que se preocupa por los negocios tomara el riesgo de hacer esta película, hecha para la taquilla, pero que es una reflexión sobre los antihéroes y en donde el enemigo no es un hombre, es el sistema”.

Guasón es una cinta cruda, no es para todo tipo de público, no es recomendable que los adolescentes la vean y tampoco adultos sensibles.

No tiene nada que ver con la saga de Batman, aunque el “Guasónes el archienemigo de “Batman”, y siempre ha salido de secundario, aquí el personaje es central, y aunque podemos imaginar que un pequeño niño es “Batman”, este personaje no tiene mucha importancia en esta cinta.

La película se enfoca totalmente en el origen de lo malvado de este personaje, y en el transcurso de la historia llega un momento que empatizamos con el “Guasón” y lo entendemos de alguna manera, los insultos, bullying, atropellos que recibe el “Guasón” nos hacen ponernos de su lado y hasta llega un momento que queremos que los policías “buenos” no lo atrapen y que logre escapar de ellos.

Lo que nos hace entender al “Guasón” es que en algún momento de nuestra vida seguramente hemos sido las víctimas y de alguna forma hemos deseado poner en su lugar a los abusadores, para los grupos puristas que critican esa violencia que tiene el Guasón, hay que recordarles que todos los seres humanos tenemos en nuestro ADN sentimientos tanto positivos como negativos, no somos ángeles…

Ayer en Culiacán, nos encontramos de alguna manera con varios “Guasones” perdiendo el control.

 ¿No somos responsables de alguna forma de hacer delincuentes?

Podríamos revisar la vida de los “Guasones” de hoy y tal vez entenderíamos el porqué son como son, existen algunas personas para las cuales parece que el uso de la violencia es el único camino de hacer algo, de cambiar el rumbo de su vida de abusos.

La enfermedad de la risa incontrolable que tiene el “Guasón” puede deberse a una incontinencia afectiva, que puede provocar ataques de risa o llanto incontrolado y que puede llegar a molestar a la gente alrededor.

La mejor escena de la película es cuando el “Guasón” se convierte en “Guasón”, hace una especie de movimientos y bailes extraños.

Calificación:

Rangos:  Mala ★ Regular ★★  Buena ★★★  Muy Buena ★★★★

Excelente ★★★★★

 

MENSAJE:

Lo más importante de la cinta es el mensaje que nos da, ¿por qué vamos a esperar como sociedad que la gente que tratamos mal y que no tienen oportunidades se porten bien? Es solo un sueño.

¿Por qué despreciamos a las personas con enfermedades mentales?

Guasón nos refleja la crudeza de nuestra sociedad, pero también del mundo.

Y volvemos al eterno debate de que cualquier persona pueda tener un arma en su poder, y en EUA puede ser tan fácil, y no cualquiera debe de tener un arma.

Estrellas: ★★★★★

DIRECCIÓN:

Todd Phillips es director de  ¿Qué pasó ayer? o Starsky & Hutch ahora dirige Guasón, algo completamente diferente a lo que siempre ha dirigido.

Estrellas: ★★★★★

ACTUACIONES:

Joaquin Phoenix ha hecho grandes actuaciones como Gladiador, Johnny & June: Pasión y Locura, Nunca Estarás a Salvo y Ella.

Phoenix reconoció que le dio miedo interpretar al “Guasón” porque no quería que lo estereotiparan en malo simplemente, no le gusta reducir a eso a sus personajes.

Otros actores que han interpretado al “Guasón” con gran éxito son Jack Nicholson y Heath Ledger (le dieron el Premio Óscar cuando acababa de fallecer como Mejor Actor de Reparto por este papel).

Seguramente Phoenix competirá por el Óscar al Mejor Actor y lo ganará, todo el peso de la cinta recae en él, es de los mejores actores americanos que hay en estos momentos, soy su fan. Su actuación nos hace llorar, reír y enojarnos, pero sobre todas las cosas: comprenderlo.

Robert De Niro, sale como el abusivo presentador de televisión, está odioso y convincente en su papel.

Estrellas:  ★★★★★

GUIÓN:

Excelente y profundo guión que nos hace conocer el porqué el “Guasón” es cómo es.

Estrellas: ★★★★★

FOTOGRAFÍA:

Buena fotografía, Ciudad Gótica en esta ocasión es una ciudad que nos recuerda a Nueva York.

Estrellas:  ★★★★

CALIFICACIÓN  TOTAL:               ★★★★★  EXCELENTE

Autor:

Fecha: 
Viernes, 18 de Octubre 2019 - 08:40
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Fecha B: 
Viernes, 18 de Octubre 2019 - 10:55
Fecha C: 
Viernes, 18 de Octubre 2019 - 23:55
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Joker y la trascendencia del género

Mucho antes del estreno de Joker (2019, Todd Phillips) ya se había generado un debate sobre si esta era la primera obra de arte del cine de superhéroes. Triunfadora en el Festival de Venecia, en un principio con calificación perfecta en Rotten Tomatoes, Metacritic y otros sitios, de pronto, cerca de su estreno se llenó de controversia porque algunos críticos despotricaron por su “excesiva violencia”. Llegó el grado en que en Aurora, Colorado, donde hace unos años hubo un tiroteo durante una función de una cinta de Batman, se pidió su prohibición, aunado esto al odio generado por los fans de las cintas de Marvel Studios (dicen algunos que orquestado desde el mismo corazón de Disney), que daban por hecho que la última de los Avengers podría estar nominada al Óscar y con la aparición de la producción de DC/Warner, esto quizá quede reducido a mera esperanza. Las polémicas parecen no tener fin – que si el personaje canta una canción perteneciente a un pedófilo, que a Michael Moore le fascinó, que una senadora del PAN quiere que cambien su clasificación de PG-15 a R, etc. –, así que acá le paramos porque si no, no terminamos nunca. Lo cierto es que, fuera de lo que se podría esperar, no estamos ni ante la obra maestra que se anunció ni tampoco ante algo fuera de lo común.

Y antes que mis amigos fans de la cinta me amarren a una silla y me torturen viendo todas las películas con Omar Chaparro y Martha Higareda en maratón y en versiones del director, déjenme decirles que por el contrario, me parece uno de las mejores, valientes y originales trabajos que tengan algo relacionado con el cine de superhéroes.

La cinta cuenta lo que pasa con un aspirante a comediante, que trabaja de payaso comercial y que sufre diversos trastornos psicológicos, así como maltrato de varias personas. Al ser objeto de burla de un conductor de televisión que admira, ser golpeado en el metro y despedido de su trabajo, el hombre tiene un colapso y reacciona violentamente contra todos los que lo agraviaron.

La obra más reciente de Phillips tiene un torrente de virtudes. Comenzando con la apabullante actuación de Joaquin Phoenix como Arthur Fleck/Joker, así como de un espectacular reparto, encabezado por el siempre inspirado Robert De Niro. La ambientación de época es impresionante, así como la fotografía que busca replicar la estética visual de las películas de fines de los 70, principios de los 80, en los que se ubica el filme.

El guión, excelente también, está plagado de referencias no sólo al cine sino al medio del que se desprende el personaje. Es la amalgama perfecta entre películas como Taxi Driver (1976) y King Of Comedy (1983), ambas de Martin Scorsese, así como los cómics Killing Joke de Alan Moore y Brian Bolland, y Joker de Brian Azzarello y Lee Bermejo. En estas obras se puede ver el hilo central del trabajo y son la influencia más evidente que se puede encontrar, pero también hay múltiples referencias a otras fuentes, como es V for Vendetta de Alan Moore & David Lloyd, The Shinning de Stanley Kubrick, etc. Una de las más visibles alusiones es a Charles Chaplin y su icónico personaje en Modern Times. La representación que hace Phoenix de Guasón tiene muchas notas del cómico clásico del cine mudo.

Ahora bien, precisamente por estas referencias es que hay que reconocer que, como cine no ofrece nada que no se haya visto y sin embargo, ofrece más de lo que el cine de superhéroes ha podido hacer. Hace unos meses, debido a la discusión por el estreno de Avengers: Endgame, que los fans juraban que era la opus magnum del subgénero, publiqué un largo artículo en la revista Empire en el que comentaba la imposibilidad de que esto fuera posible pronto. Basándome en un comentario que hizo Steven Spielberg prediciendo el fin de este tipo de trabajos, encontré que para que estos pudieran ser considerados arte en algún momento, deberían cumplirse tres condiciones: La primera es que no haya injerencia de los estudios en el producto, es decir, que exista libertad creativa total. La segunda, que el género deje de ser una moda y sea visto como un objeto de culto. Y la tercera, que surjan directores que de alguna manera se hayan formado viendo este tipo de materiales. Y en el caso de Joker casi se cumple todo esto. Estamos ante una cinta pensada para un público menos masivo – que gracias a la mercadotecnia se ha multiplicado –, realizada con un presupuesto menor (lo que significa menos pérdidas si es un fracaso) y por lo mismo, el estudio permite que se tomen riesgos que normalmente no tomarían –sería difícil, sino imposible, que aprueben que se haga algo así con Supermán –, así como el hecho de que Phillips pertenece a una generación que para bien o para mal, se formó viendo el Batman de Tim Burton, el Spider-Man de Sam Raimi, el Hulk de Ang Lee y los X-Men de Brian Singer. El director, además, tiene la libertad de hacer un trabajo que de una u otra manera es congruente con su filmografía, fuera de que todo el mundo lo conoce por la saga The Hangover y por Old School, mismas que en un excelente análisis realizado por Cinescondite, se puede discernir que de alguna manera se empatan con lo visto en Joker. En el cine de Todd Phillips existen personas que terminan atrapados en situaciones que los llevan a reaccionar de formas que resaltan lo peor de su naturaleza. Prueba de ello son tres de sus mejores realizaciones, Frat House (1998), Due Date (2010) y War Dogs (2016). En las tres vemos a personajes que dejan ver el que Phillips quiere ir más allá de las convenciones fílmicas de la comedia y el drama. La primera es un documental sobre los abusos existentes en las fraternidades estudiantiles, mientras que la segunda es una tragicomedia en la que dos personajes intentan llegar a Los Ángeles y en el camino se topan con situaciones que los harán comportarse de la peor manera. Uno de ellos es un aspirante a actor, visiblemente con deficiencias intelectuales, que parece que puede explotar en cualquier momento y que tiene la capacidad para volver al otro en un verdadero psicópata. Y en la tercera de las citadas, se narra la historia real de un joven que fracasa en varios negocios, que se asocia con un ex compañero de clase que vende armas al gobierno de E.U. y que a pesar de lo agradable que aparenta ser, es un psicótico en potencia. Parece que al director le gustan mucho los seres que desafían el sistema.

En Joker está muy bien cimentada la crítica al sistema, el que los ricos y poderosos se burlan de los que consideran inferiores y de paso, una muy acertada cachetada directa en la cara a Donald Trump (se ve por ahí que el país está saturado de protestas por tensiones raciales, una crisis económica muy fuerte que los más afortunados no parecen notar o de plano ignoran y sobre todo, el recorte presupuestal a los programas de salud). Sin embargo no se adentra del todo en los temas y aunque muchos críticos y youtubers han forzado el mensaje del abandono a los enfermos mentales, las críticas al sistema o un serio análisis sobre la locura, y demás, lo cierto es que esto sólo sirve de telón de fondo para conocer uno de los seres más enigmáticos y complejos creados en las historietas.

Es una obra incómoda, hecha con una insólita libertad para ser una producción de un gran estudio, que intenta reflejar la visión de un autor sobre el mundo y sin embargo, no es la obra maestra que muchos dicen pero tampoco el fracaso que otros quieren. Y por encima de todo, no es una PELICULA DE SUPERHÉROES. Sí, es verdad que es sobre un ente salido de las páginas del comic de Batman y que está producida por una empresa que dedica gran parte de sus esfuerzos en hacer este tipo de filmes, pero eso es mera referencia. Y es también el por qué trasciende sobre las otros filmes del subgénero, principalmente las realizadas por Marvel. Como Logan (2017, James Mangold), Waltchmen (2009, Zack Snyder) o Captain America: The Winter Soldier (2014, Joe Russo), Joker no intenta privilegiar a los héroes o los medios de donde surgen, sino que prioriza el cine. Y eso es el primer paso para ser consideradas como las mejores del género.

Joker es una gran obra, si quieren ponerla como filme de superhéroes, sin duda es la mejor hasta el momento y como cine, es quizá también de las más logradas de la década. Sea como sea, la última disertación sobre la locura hecha para una sala oscura, ha trascendido a su género, a su autor e incluso a su público. Imperdible.

Autor:

Fecha: 
Viernes, 11 de Octubre 2019 - 10:35
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Fecha B: 
Viernes, 11 de Octubre 2019 - 12:50
Fecha C: 
Sábado, 12 de Octubre 2019 - 01:50
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Crítica Película: AGENTE BAJO FUEGO

FICHA TÉCNICA:

Título original: Angel has fallen

Director:  Ric Roman Waugh

Actores:  Gerard Butler, Morgan Freeman, Nick Nolte

Género: Acción

Año: 2019

País: Estados Unidos

SINOPSIS:

El agente Mike Banning es acusado de un intento de asesinato al presidente de los Estados Unidos. Es perseguido por su propia agencia y por el FBI, Banning tiene que descubrir al auténtico grupo terrorista.

CRíTICA:

Esta es la tercera película de una franquicia estrenada en el 2013, la mejor es la primera como suele suceder en estos casos.

Sería recomendable que una película de acción tuviera algún tipo de argumento interesante.

Porque aunque hay muchos fans para este tipo de género, y de hecho es el único que ven muchas personas, al menos se merecen una historia que vaya a algún lado.

Los efectos y explosiones cumplen con su cometido, hay efectos especiales verdaderamente espectaculares, el mejor tiene lugar en un lago con unos drones.

Tremendamente predecible.

¿Por qué hay tantas películas donde intentan matar al presidente de Estados Unidos?

Se parece a películas ochenteras de Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger y Harrison Ford.

Recuerda al Fugitivo y a la serie 24.

Calificación:

Rangos:  Mala ★ Regular ★★  Buena ★★★  Muy Buena ★★★★

Excelente ★★★★★

 

MENSAJE:

No hay muchos mensajes, tal vez es el tema de la guerra como un negocio internacional y nada más.

Estrellas: ★★

DIRECCIÓN:

Ric Roman Waugh es un escritor y director de cine americano, entre sus películas están Shot caller, Snitch entre otras.

Estrellas: ★★★

ACTUACIONES:

Gerard Butler ha hecho la trilogía de esta saga, el actor es ubicado casi siempre en personajes de acción. Lo hace bien.

Morgan Freeman sale del presidente, es un desperdicio para un actor como él hacer este tipo de cintas de acción aunque más gente vendrá a verla por su nombre en la cartelera.

Nick Nolte le da un toque cómico a la cinta.

Estrellas:  ★★★

GUIÓN:

Sin ninguna sorpresa.

Estrellas: ★

FOTOGRAFÍA:

La cámara está muy pegada en algunas ocasiones a los personajes y no ves bien los detalles de la escena, aunque los efectos especiales están bien.

Estrellas:  ★★★★

CALIFICACIÓN  TOTAL:               ★     MALA

Autor:

Fecha: 
Viernes, 04 de Octubre 2019 - 09:30
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Fecha B: 
Viernes, 04 de Octubre 2019 - 11:45
Fecha C: 
Sábado, 05 de Octubre 2019 - 00:45
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Crítica Película: Ad Astra

“La soledad es muy hermosa…cuando se tiene a quien decírselo”. 

Gustavo Adolfo Bécquer

 

FICHA TÉCNICA:

Título original: Ad Astra

Director: James Gray

Actores:  Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Liv Tyler

Género: Ciencia ficción

Año: 2019

País: Estados Unidos

SINOPSIS:

Brad Pitt es Roy McBride, un ingeniero espacial que es hijo de uno de los astronautas más importantes de la historia, partió en búsqueda de vida en otros planetas y nunca regresó. Brad va en su búsqueda.

CRíTICA:

Ad Astra es una película sobre el espacio que tiene un gran presupuesto y está protagonizada por Brad Pitt. Está ambientada en un futuro alternativo donde los humanos vivimos en la luna y otros planetas.

Te mantiene entretenido en varios momentos con puntadas tan simpáticas como que en otros planetas tienen las mismas marcas que en el planeta tierra.

Toda la parte creativa y de fotografía están muy bien logradas, con vehículos para recorrer la luna y naves espaciales.

En lo que está floja esta cinta es en la trama, el relato de que Brad Pitt va a investigar qué pasó con su papá que nunca regresó de una misión en el espacio, está de flojera, ver en la mayoría de la cinta a un Brad Pitt dialogando consigo mismo sobre cómo se siente y si siente estabilidad emocional, ya que es importante que las personas en este tipo de misiones tengan serenidad, no es muy atrayente.

Qué lástima que con una gran producción no pudieron hacer una historia más interesante.

Calificación:

Rangos:  Mala ★ Regular ★★  Buena ★★★  Muy Buena ★★★★

Excelente ★★★★★

 

MENSAJE:

El mensaje que el director nos quiere dar (porque ya lo dijo en una entrevista) es que no tenemos que encontrar extraterrestres para no sentirnos solos porque nos tenemos los unos a los otros: los seres humanos.

Estrellas: ★★

DIRECCIÓN:

James Gray es un director con muchas películas de diferentes géneros como Z la ciudad pérdida, Sueños de libertad, Los amantes, Hitchcock/Truffaut.

En lo que le falló a Gray es en el guión, la cinta está impecable lo que falla es la historia.

Estrellas: ★★★★

ACTUACIONES:

El bello Brad Pitt es un buen actor, ha hecho todo tipo de géneros, aunque casi no interactúa con nadie en esta cinta, su voz en off se escucha en muchas escenas contándole al público cómo se siente, su actuación es buena.

Tommy Lee Jones sale en una pequeña parte de la cinta, lo que actúa está bien.

No vale la pena hablar de las actuaciones de los otros actores de la cinta, porque casi no salen.

Estrellas:  ★★★

GUIÓN:

El guión empieza interesante pero se cae.

Estrellas: ★★

FOTOGRAFÍA:

Excelente fotografía.

Estrellas:  ★★★★★

CALIFICACIÓN  TOTAL:               ★★     REGULAR

 

Autor:

Fecha: 
Viernes, 27 de Septiembre 2019 - 10:00
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Fecha B: 
Viernes, 27 de Septiembre 2019 - 12:15
Fecha C: 
Sábado, 28 de Septiembre 2019 - 01:15
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Los 30 años de 3 lancheros muy picudos

A finales de los años ochenta, con la llegada de Carlos Salinas de Gortari a la presidencia de la República, el cine mexicano se encontraba prácticamente en vías de extinción. Fuera de algunas comedias de la recién llegada Televicine – hoy transformada en Videocine, la mayor distribuidora y productora nacional – se estrenaban semana a semana únicamente las llamadas “sexy-comedias” (el término se atribuye al inolvidable Mauricio Garcés y sustituía el de “cine de ficheras”), cada vez más decadente y cuyos participantes estaban involucrados también en “videohomes”, que tenían una producción todavía más mísera que las cinematográficas. Salinas, durante su sexenio, privatizó la banca y vendió más de 300 paraestatales, como Telmex e Imevisión (hoy TVAzteca), entre las que destaca Compañía Operadora de Teatros (COTSA), empresa dedicada a operar la mayoría de las salas cinematográficas del país y a exhibir la totalidad de la escasa producción nacional. En pleno salinato se dio el milagro en las taquillas que fue 3 lanchero muy picudos (1989, Adolfo Martínez Solares).

La película es un montón de sin sentidos, unidos únicamente por una diminuta anécdota, sobre un “lanchero” acapulqueño, que encuentra por accidente una bolsa llena de dinero perteneciente a unos traficantes. Debido a que pierde el dinero apostando en una pelea de gallos, se ve obligado a huir a la Ciudad de México, en donde se vuelve proxeneta y prostituto masculino para poder pagar su deuda. Al final, no sólo él y sus amigos logran detener a los traficantes, sino que se vuelven ricos y se casan con las prostitutas más hermosas del país. Contaba con el mismo elenco que protagonizó casi todas las producciones de este tipo (Tun Tún, Rosario Escobar, Lina Santos, etc.). La fotografía era casi inexistente, se notaba que colocaban la cámara donde podían y ni hablar de la iluminación. El guión estaba plagado de albures y desnudos a la menor provocación. Y la música, genérica, se repetía una y otra vez. Sin embargo, a pesar del cansancio que el público tenía ya hacia ese tipo de trabajos, se volvió la más taquillera de la década y casi el canto del cisne del subgénero. El motivo de esto: una gracia poco usual. Los chistes se van acumulando uno tras otro, algunos de forma más elaborada que lo acostumbrado (Armando: “Yo lo que quiero decirte es ¿qué es hoy?” – Roberto: “Pues eres un pendejo” – Armando: ¡No, no!” – Roberto: “¡Ah, cómo no!” – “Armando: No, no te digo que qué soy, te digo que qué día es hoy”), llenos de juegos de palabras muy sorpresivos (Muchacha: “¡Ay, tía! ¿no te gusta? A mí me parece guapísimo” – Tía: “¡Ay, hija, pero qué estómago tienes!” – Roberto: “No, y eso no es nada, ¿ya le vio las nalgas?”), además de la excelente química que se da entre Alfonso Zayas y Cesar Bono. Algo curioso es que se habla de la realidad del momento, en la que empezaba a popularizarse el narcotráfico. Adolfo, destajista de este tipo de trabajos y oveja negra de los Martínez Solares, tiene un ligero momento de lucidez y encuentra un ritmo muy decente para este tipo de obras, de tal manera que las escenas de acción (la pelea de proxenetas, por ejemplo) están bastante bien ejecutadas y cuentan con una edición muy lograda.

Pero la mayor de las diferencias con este tipo de productos fue el que la anécdota central (el escape de Roberto, el personaje de Alfonso Zayas) es muy coherente, debido quizá a que al tener visiblemente un presupuesto más paupérrimo que las facturadas anteriormente, también el número de personajes y subtramas es menor.

Para el año de su estreno se acercaba una de las mayores crisis que se haya sufrido en mucho tiempo y también el espejismo de la modernidad que ha permeado hasta nuestros días. El cine está próximo a una enorme transformación, ya que se aproxima el “nuevo cine mexicano”, con trabajos que resultaron no solo éxitos de crítica sino de público, y que harían pensar que todo estaba mejorando: Cabeza de Vaca (1990, Nicolás Echeverría), Danzón (1991, María Novaro), La mujer de Benjamín (1991, Carlos Carrera), Sólo con tu pareja (1991, Alfonso Cuarón), Como agua para chocolate (1992, Alfonso Arau), Cronos (1993, Guillermo del Toro), por mencionar algunas. Un año después de su aparición, se vería el desvanecimiento de una de las eras más polémicas de la filmografía nacional. Con la desaparición de COTSA se dejó de exhibir este tipo de obras, amén que la escasa audiencia prefería las hechas en Hollywood y al privatizarse del todo la exhibición, todo se terminó.

En una ocasión, Alfonso Zayas comentaría que algún día sus trabajos serían recordados como las películas cómicas de la época de oro, de Tin Tán, Cantinflas o Joaquín Pardavé, y aunque la situación es diferente, algo así ha surgido al ver lo pobre que resulta el nuevo cine de explotación que se está realizando. Obras como Loca por el trabajo (2018, Luis Eduardo Reyes), Te juro que yo no fui (2018, Joaquin Bissner) o Hazlo como hombre (2017, Nicolás López), por mencionar algunas, hacen que 3 lanchero muy picudos, resulte mucho más sofisticada de lo que es. Simplemente, al escuchar a los actores de las producciones recientes decir una mala palabra, se escucha grotesco y forzado, quizá porque Zayas, Bono, Luis de Alba, Maribel Fernández, y demás, tenían tablas en albures y mentadas o porque a diferencia de las estrellas de la producción actual, sabían improvisar y en eso basaban los directores gran parte del metraje filmado.

Me imagino a una persona que tiene un automóvil muy viejo y destartalado, que hace ruido por todos lados, a cada momento se detiene y suelta humo como chimenea de fábrica de carbón. Al ver su estado, decide cambiarlo por uno más moderno, con cero emisiones y muy cómodo, pero de pronto, descubre que si se descompone, las refacciones salen carísimas, no le cabe nada en la cajuela, si se golpea una parte de la carrocería, hay que cambiar la pieza entera porque es fibra de vidrio y sobre todo, empieza a fallar bastante. Al recordar el otro, que a pesar de ser una basura, siente nostalgia porque por lo menos, el otro tenía refacciones que podían comprarse hasta en la tienda de la esquina. Eso es lo que pasa con el cine mexicano contemporáneo. Puede tener una fachada de “modernidad” pero en el fondo es más basura que lo hecho en los 80.

Hace 30 años iba mucho al cine con algunos amigos y en ocasiones, por echar relajo, nos metíamos a ver “películas de albures”. En ese entonces, me vomitaba en estas producciones y no me imaginaba que el día de hoy estaría escribiendo sobre una de ellas, no solo defendiéndola sino hasta sintiendo nostalgia por ese cine vulgar, lleno de desnudos gratuitos y chistes malos. En ese entonces, uno de mis dichos favoritos era: “Cuando me muera, mi lápida va a decir; ‘Yo y mi bocota’”. Creo que ya es tiempo de empezar a pensar seriamente en mandarla a hacer.

Autor:

Fecha: 
Viernes, 20 de Septiembre 2019 - 08:35
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Fecha B: 
Viernes, 20 de Septiembre 2019 - 10:50
Fecha C: 
Viernes, 20 de Septiembre 2019 - 23:50