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compositor

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Fallece "El Rebelde del Acordeón" Celso Piña

En Monterrey, Nuevo León, el 21 de Agosto de 2019, falleció a las 12:38 víctima de un infarto Celso Piña mejor conocido como "El Rebelde del Acordeón" o como "El Cacique de de la Campana"; en el "Hospital San Vicente" de dicha localidad.

Celso Piña fue compositor, arreglista y acordeonista del género "Cumbia Vallenata". Pionero y máximo exponente de la música colombiana en México  fusionó sonidos tropicales con norteño, sonidero, ska, reggae, rap, hip-hop entre otros.

Celso nació el 6 de abril de 1953 en Monterrey. Su infancia la vivió en la colonia Independencia ubicada al sur de la ciudad. La gente recuerda a Celso como un personaje alegre, atento, amable con quienes le rodeaban y con los medios de comunicación.

Celso Piña es un icono de la cultura musical de Nuevo León y que su legado artístico ha trascendido fronteras, con más de 35 años de carrera, Celso Piña y su Bogotá Colombia llevaron su música a países de Latinoamérica y Europa como:  Bélgica, Dinamarca, Francia, Holanda, República Checa, Alemania, Suecia, Polonia, Italia, Canadá, Chile, Colombia, Estados Unidos, Nicaragua y Perú entre otros.

En 1980, Celso grabó su primer disco y música de cantantes como: Los Hermanos Zuleta, Juancho Polo Valencia, Nafer Durán, Alejandro Durán hasta el año del 2000, ya que en ese año Celso se reinventó musicalmente, dado a la competencia que prevalecía en esa época.

En 1977, surgió la agrupación conocida como "Ronda Bogotá" a iniciativa de su padre el sr. Celso Piña.

Celso comentó que fueron invitados como representantes del Folclor de Colombia en un Festival en la ciudad de Monterrey y todos los grupos tocaban las mismas canciones. Una vez que ya estaban en el escenario, subió el organizador y le entregó una hoja con el nombre de las mismas canciones que ya habían tocado los grupos anteriores y que Celso tuvo, de nueva cuenta, que tocar el mismo repertorio. Esto indignó a Celso y dijo " Yo no voy a tocar eso, voy a tocar lo que la gente me pida y lo que yo quiera".

El organizador le enfatiza diciendo "Rebelde del Acordeón" a lo que Celso replicó "Así es" "Me subí e hice lo que quise. De ahí surgió "El Rebelde del Acordeón".

Su hija Cecilia Piña Ortiz escribió:

"Papá te amo con todo mi corazón, fuiste y serás siempre el mejor Padre del mundo, no tengo palabras para expresar no sabes cuanta falta me vas hacer pero al fin estaré bien agradecida y bendecida por Dios por haberme dado la dicha de estar contigo hasta el último momento, ahora vas a estar llevando tu música en el cielo a donde te falta llegar. ¡¡¡TE AMAMOS TU FAMILIA Y TODA TU GENTE Q.E.P.D. @CELSO PIÑA el cielo ya está de fiesta!!!
 

Contacto

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Fecha: 
Jueves, 22 de Agosto 2019 - 13:05
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Fecha B: 
Jueves, 22 de Agosto 2019 - 15:20
Fecha C: 
Viernes, 23 de Agosto 2019 - 04:20
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Entrevista a cantante Mike Almanza

¿Cuántos años tienes?
25 años


¿Qué estudiaste?
Estudié una carrera técnica en mercadotecnia, pero siempre me gustó mucho la música, cuando salí de la prepa yo tenía 17 años, y dije ya me quiero dedicar a la música, empecé a componer canciones, empecé a escribir, tomé clases de canto particulares, saqué mi primer sencillo a los 18 años y la canción se llama Amor tan bello, es una balada romántica pop, con influencia de bolero, melodramática, le va bastante bien a la canción, mejor de lo que esperaba.


¿Cómo le hiciste para que la gente la escuchara?
La puse en YouTube en 2013, y empezó a tener muchas vistas, tenía bastante gente conocida en Cuernavaca que es donde yo vivo, y se empezó a pasar de voz en voz que la canción era buena, los primeros días ya tenía como 15.000 visitas, después ya la grabé en el estudio y le hice un vídeo (y este vídeo ya tiene 700.000 visitas), en ese tiempo logré que me entrevistaran en todos los medios locales de Morelos, mandé la canción a todos lados, estaciones de radio, programas de televisión , me presenté en plazas, ferias y festivales, como artista independiente uno tiene que hacer de todo.

Después grabé un disco con 4 canciones más.
Mi familia me ayudó económicamente, y pude maquinar 1500 discos, y en todos los shows los vendíamos o regalábamos.
Luego el otro sencillo fue Amor por ti que también le fue bastante bien.
Tuve suerte porque un amigo tiene un estudio y entonces él me ayudó y no me cobró tan caro grabar las canciones.
Tienes que acercarte mucho a las redes sociales para darte a conocer y en total sumando todas las redes sociales (Facebook, Twitter, Instagram) los seguidores que tengo son 650 000 y 5 millones en visitas a mis canciones.


¿Cómo te inspiras para componer tus canciones?
Sobre todo por experiencias personales, el primer disco es mucho balada y música romántica, también he sacado música electrónica, entre otros géneros.


¿Por qué hiciste la canción con el tema del bullying?
Esa canción salió en el 2017, la estrene el 2 de Mayo día internacional del acoso escolar, como figura pública, pensé que podía hacer un cambio en los jóvenes, este tema siempre ha sido algo muy importante, tiene que ver con la autoestima, demostrar que todos valemos lo mismo, la canción se llama Vales de verdad, desde muy chico lo puedes vivir en carne propia, intimidaciones de tus compañeros, por ser diferente, es importante que una figura joven como yo pueda llegar a las masas con este tema.
Estuve investigando qué México ocupa el primer lugar del bullying a nivel internacional en escuelas.

(Tere Vale @TVale2012 dará un taller sobre “El Bullying” el Sábado 6 de Julio)


¿A ti te han hecho bullying?
A mí sí, no lo viví en carne propia fuerte, pero si en personas que les hacían bullying cercanas a mí. Pienso que la sanciones para el bullying no son suficientemente estrictas, no hay consecuencias, muchas veces los suicidios tienen que ver con el bullying, el bullying te puede repercutir en toda tu vida.


¿Qué consejo le darías a alguien que sufre bullying?
Que pida ayuda, que no se aísle, que no se culpe, que primero se aprenda a  aceptar así mismo como es, aprender a ignorar comentarios mal intencionados, la canción habla de aceptarse, de que uno es fuerte, valiente y capaz.


¿Alguien de tu entorno tiene facetas artística?
Sí, pero no mi familia nuclear, más bien mi abuela paterna y mi tía paterna, de parte de mi mamá violinistas talentosos.


¿Qué planes tienes ahora?
Estoy trabajando en mi nuevo sencillo que se llama Mal portada, es de un
género diferente tipo reggaeton, trap urbano, ritmos muy latinos, está es una canción que habla de empoderamiento feminista, que hagan lo que quieran que no se repriman.
 

 

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Instagram: @mikealmanzaa
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Twitter: @mikealmanzai
YouTube: Mike Almanza
 

Autor:

Fecha: 
Viernes, 05 de Julio 2019 - 13:25
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Fecha B: 
Viernes, 05 de Julio 2019 - 15:40
Fecha C: 
Sábado, 06 de Julio 2019 - 04:40
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Que la esquizofrenia nos ampare: ¡Hasta siempre, Cerati!

Este 11 de agosto, el cantautor, guitarrista y productor argentino Gustavo Adrián Cerati habría celebrado su cumpleaños número 56.

El 15 de mayo de 2010, el líder de la emblemática banda Soda Stereo fue internado por lo que parecía ser un cuadro de descompensación, poco después de concluir un concierto en un recinto universitario de Caracas, Venezuela. Tres días después, se confirmó que en realidad Cerati había sido víctima de un accidente cardiovascular isquémico con afasia de expresión, de acuerdo con el diagnóstico del neurólogo Vladimir Fuenmayor. Tras una intervención de emergencia para tratar de contener la severa inflamación cerebral que enfrentaba, los facultativos emitieron una sentencia fatal: “Gustavo no volverá a ser el mismo”.

Finalmente, Gustavo Cerati emigró de este mundo el 4 de septiembre de 2014, tras haber permanecido 4 años en coma. Sin embargo, su legado musical marcó a toda una generación a lo largo y ancho de América Latina. De 1982 a 1997, al lado del baterista Charly Alberti y el bajista Héctor “Zeta” Bosio, desplegó una brillante trayectoria musical al frente de Soda Stereo, cuya música catapultó de manera vigorosa el movimiento del rock en español, llevándolo a estados de virtuosidad y madurez memorables.

Aunque el movimiento del llamado “Rock en Tu Idioma” fue un mero invento mercadológico de los ejecutivos de una disquera mexicana para tratar de comercializar la música de un amplio catálogo de bandas latinoamericanas que difícilmente se podrían clasificar en un solo género, lo cierto es que la creciente difusión de estos artistas permitió al cabo de un tiempo diferenciar con claridad cuáles de ellos eran meros productos de temporada y cuáles otros podían alcanzar una más amplia trascendencia y proyección verdaderamente internacional.

No me considero un purista, pero lo cierto es que con el pretexto de abrevar de la cultura popular muchos grupos y artistas del rock latinoamericano de las tres últimas décadas abusaron en el consabido recurso de la fusión musical para terminar ofreciendo burdas versiones “rudas” de cumbias, vallenatos, polkas y toda suerte de géneros vernáculos, que por supuesto no son expresiones menores, pero que muchas veces terminan sustrayendo cierta parte de la esencia de aquello que José Agustín definió en su momento como “La Nueva Música Clásica”. El rock puede ser irreverente y divertido, pero también contestatario, crítico y al mismo tiempo, altamente poético y con una búsqueda constante de la innovación.

En particular, he notado un rasgo distintivo en los fans de Soda Stereo y de la carrera solista de Gustavo Cerati: son melómanos con un alto sentido de la apreciación estética de la música. No son fans aferrados que seguirán cualquier creación de su artista favorito por mera devoción (de hecho, hay opiniones divididas entre los seguidores de Soda acerca de discos como “Dynamo” o “Canción Animal”), pero también me he encontrado con la agradable sorpresa de que muchos de ellos han transitado sin mayor problema al consumo de otros géneros musicales como el world beat, el indie rock y la música electrónica.

Actualmente, la industria musical se encuentra en crisis: los formatos digitales han facilitado sin duda la difusión y venta del material en todos sus géneros, pero lamentablemente, la calidad artística de los productos musicales ha ido en una caída inversamente proporcional a la velocidad con la que evoluciona la tecnología. Muchas plataformas, sí, pero también demasiada basura musical merodeando las ondas sonoras…

Por ello, para varias generaciones de amantes del rock latino siempre será una bendición la posibilidad de revisitar el repertorio musical de Soda Stereo y de Gustavo Cerati como solista. Definitivamente, piezas como “Nada Personal”, “Prófugos”, “Persiana Americana”, “Doble Vida”, “De música ligera”, “Puente” y  “Cosas Imposibles” forman parte de nuestro imaginario musical colectivo.

Esa y muchas razones son suficientes para enviar a Cerati un fraternal abrazo hacia el eterno éter que alberga su alma de cantautor y poeta.

En medio de la inmundicia musical y el acoso del reggaetón y el narco corrido, siempre habrá un espacio para extrañarte y recordar tu música…

¡Hasta siempre, Cerati!

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SOUNDTRACK PARA LA LECTURA:

Soda Stereo (Argentina) “Cuando pase el temblor”

 

Soda Stereo (Argentina) “Prófugos” 

 

Soda Stereo (Argentina)  “De Música Ligera” 

 

Gustavo Cerati (Argentina)  “Cosas Imposibles” 

 

Gustavo Cerati (Argentina)  “Puente”

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Fecha: 
Jueves, 13 de Agosto 2015 - 16:00
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Columnas:

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Facundo Cabral, justo a tiempo

Si por algún hueco del universo pudieras asomar el rostro y nos permitieras escuchar tu última composición, los acordes de tu guitarra y tu voz sonarían sin ecos como lluvia fresca en el verano y caería sobre el hombro del mundo la resignación pronta de tu ausencia.

A cuatro años tu partida resuena y me invento la apología última de la vida que no alcanzaste a escribir:

“Mi muerte fue dictada por la mano divina porque los dioses no tenían ganas de que yo viviera el mañana. Ya de dolores tuve muchos y de sinsabores escribí  versos, de lágrimas se llenaron mis tazas de café y los tarros de cerveza.

“Colmé de surcos con pasos agigantados o de pies juntillas los inmensos caminos que recorrí. Ya de amigos se habrían llenado mis soledades y de poemas y textos mis libretillas. Ya de risas y carcajadas sonoras se desbordaron mis tertulias  y de romances hermosos mi cama. Mis deseos complacidos y mis sueños realizados, mis palabras esparcidas y mi voz entregada sin recelo a la tierra. Mi libertad liberada y mis brazos abiertos atraparon inmundicias, pesares, el regocijo y la quietud.

“En el trayecto y el alboroto de mi algarabía por vivir compartiendo los frutos que la experiencia me regalaba, se me pegaron los bichos, me comieron los mosquitos, me caminó encima una cucaracha, me senté en mil hormigueros, me atacaron las abejas y me comí sin querer, un demonio llamado cáncer.

“A nada le huí porque todo era mío y a lo mío siempre le abracé y le consentí.

“Para ser honesto, a ése demonio también quise tenerle amor y quise abrazarlo fuerte pensando que podía apachurrarlo y así desaparecería para siempre.

“Pienso que mis días a partir de mañana anunciaban otros pesares, otro sabor en las lágrimas, otros dolores, una calvicie inminente y una ceguera total. Anunciaban los siguientes días que pronto estaría postrado porque mis piernas no habrían de sostenerme más y con angustia pienso, mi voz se habría silenciado.

“De haber vivido mañana, mis huesos y mi cuerpo lánguido habrían quedado expuestos en compañía de una respiración entrecortada esperando la muerte. Lúcido y sano abrí la puerta a mis amigos y también la cerré a placer para quedarme en compañía de mi amiga la soledad.

“Estando postrado y a merced de mi demonio caprichoso, la puerta habría estado abierta en contra de mi voluntad para darle paso a un séquito de personas que se arremolinarían, muchos de ellos, esperando solo llevarse de mi lecho la última escena de mi vida.

“Quizá se habría publicado mi imagen como nadie habría querido verme porque los seres humanos gustan de sentir lástimas que uno no necesita. Sin yo saberlo, habrían hecho un montón de homenajes a los que ni siquiera habría podido asistir.

“Una escena fastidiosa he dibujado, sin embargo sé que eso habría sido más temprano que tarde y los dioses decidieron que yo caminé suficiente, que respiré todo el aire que fui capaz.

“Una voz divina me dijo que eso de quedarme acostado, desintegrándome en vida, no era para mí. Una mano me llevó bruscamente, sí, y tenía que arrebatarme rápido antes de que todo lo anterior sucediera”

El amigo que palmeaba mi hombro y acariciaba mi mejilla desde de un reproductor de música  se ha ido del mundo éste, no se ha ido de mi mundo que sigue buscando riqueza en sus palabras, que sigue inventando por él, canciones que nunca escribió. Yo nunca estuve en su mundo sin embargo, él dejó una pieza de su mundo en el mío.

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Viernes, 17 de Julio 2015 - 16:30
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De 1767 - Fallece Georg Philipp Telemann

Georg Philipp Telemann (Magdeburgo, Sacro Imperio Romano Germánico, 14 de marzo de 1681 – Hamburgo, Sacro Imperio Romano Germánico, 25 de junio de 1767) fue un compositor barroco alemán, aunque su obra también tuvo características de principios del clasicismo. Está considerado el compositor más prolífico de la historia de la música.

Autodidacta en música, estudió leyes en la Universidad de Leipzig. Fue contemporáneo de Johann Sebastian Bach y de Georg Friedrich Händel.

Tan prolífico que nunca fue capaz de contar el número de sus composiciones, viajó mucho, absorbiendo diferentes estudios musicales e incorporándolos a sus propias composiciones. Consiguió una serie de cargos importantes, culminando con el de director de música de las cinco iglesias más grandes de Hamburgo, desde 1720 hasta su muerte, en 1767. Le sucedió su ahijado Carl Philipp Emanuel Bach.

Fecha: 
Jueves, 25 de Junio 2015 - 09:40

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De 1942 - Nace Paul McCartney

James Paul McCartney (Liverpool, Inglaterra, 18 de junio de 1942) es un músico multiinstrumentista, empresario, cantante, compositor, productor musical, pintor y activista proderechos de los animales. Exintegrante de The Quarrymen (1957-1959), The Beatles (1960-1970), Wings (1971-1981) y The Fireman (1993-2008).

McCartney ganó fama mundial como miembro de The Beatles, junto a John Lennon, George Harrison y Ringo Starr. McCartney y Lennon formaron una de las parejas de compositores más influyentes y exitosas, y escribieron algunas de las canciones más populares en la historia de la música rock. Después de dejar The Beatles, McCartney emprendió una exitosa carrera en solitario y formó el grupo Wings con su primera esposa, Linda Eastman, y el cantante y compositor Denny Laine.

McCartney figura en el Libro Guinness de los récords como el «músico y compositor más exitoso en la historia de la música popular», con 60 discos de oro y ventas de 100 millones de sencillos en el Reino Unido.

El medio británico BBC News nombró a McCartney el «mayor compositor del milenio» y citó la canción de los Beatles «Yesterday» como la canción más versionada en la historia de la música, grabada por más de 2200 artistas y repetida, desde su publicación en 1965, más de 7 millones de veces en la televisión y la radio estadounidense. Además, la canción de Wings «Mull of Kintyre» se convirtió en el primer sencillo en vender más de dos millones de copias en el Reino Unido. Como intérprete o compositor, McCartney fue el responsable de 31 sencillos número uno en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y ha vendido hasta la fecha en torno a 15,5 millones de discos en Estados Unidos según la RIAA.

McCartney ha compuesto bandas sonoras para películas, música clásica y electrónica, dio a conocer un amplio catálogo de canciones como artista en solitario, y ha participado en proyectos para ayudar a organizaciones benéficas internacionales. Es un defensor de los derechos de los animales, el vegetarianismo, y para la educación musical, además, participa activamente en campañas contra las minas terrestres, la caza de focas, y la deuda del Tercer Mundo. Es un entusiasta aficionado al fútbol, apoya a los clubes Everton FC y Liverpool FC. Su compañía MPL Communications posee los derechos sobre más de 3000 canciones, incluyendo todas las canciones escritas por Buddy Holly, junto con los derechos de publicación de musicales como Guys and Dolls, A Chorus Line, y Grease. McCartney es una de las personas más ricas del Reino Unido, con una fortuna estimada de 475 millones de libras esterlinas en 2010. Asimismo, fue el encargado de cerrar la Ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, interpretando su canción «Hey Jude».

Fecha: 
Jueves, 18 de Junio 2015 - 09:40

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De 1882 - Nace Ígor Stravinski

Ígor Fiódorovich Stravinski (Oranienbaum, 17 de junio de 1882 – Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX.

Su larga existencia —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban como un músico del porvenir: «Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz.

Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue tambiénescritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética musical), en el cual dijo una famosa frase: «La música es incapaz de expresar nada por sí misma». Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky.

Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

Fecha: 
Viernes, 17 de Junio 2016 - 10:00

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De 1843 - Nace el pianista y compositor Edvard Grieg

Edvard Hagerup Grieg (15 de junio de 1843 - 4 de septiembre de 1907) fue un pianista y compositor noruego, considerado uno de los principales representantes del romanticismo musical. La adaptación de temas y canciones del folklore noruego que Grieg realiza en sus obras es típica de este movimiento artístico. Así, además de dar a conocer la cultura de su país al mundo entero, contribuye a crear una identidad nacional, como hicieran Jean Sibelius en Finlandia o Dvorak en Bohemia. Son especialmente destacables su Concierto para piano en la menor y Peer Gynt, la música incidental que escribió por encargo del escritor Henrik Ibsen para su drama Peer Gynt, o las más intimistas Piezas líricas, para piano.

Edvard Grieg nació en Bergen, Noruega, el 15 de junio de 1843, descendiente de una familia de escoceses cuyo apellido original era Greig. Después de la batalla de Culloden, en 1746, su bisabuelo había emigrado a varios lugares, para finalmente asentarse como comerciante en Bergen, Noruega, alrededor del año 1770.

Edvard creció en un ambiente musical. Su madre, Gesine, fue su primera profesora de piano. Más tarde, en el veranoboreal de 1858, Grieg conoció al legendario violinista noruego Ole Bull, amigo de la familia y cuñado de Gesine. Bull descubrió el talento del muchacho de quince años y convenció a sus padres de enviarlo al Conservatorio de Leipzigpara que lo desarrollase.

Grieg ingresó entonces en el conservatorio, centrando su interés sobre todo en el piano, aunque se resentía tanto de la disciplina impartida en el conservatorio como de las clases, demasiado técnicas, que no se ajustaban a su gran sensibilidad. Una excepción fue la clase de órgano, asignatura obligatoria para los estudiantes de piano. La estancia en Leipzig le ofreció sin embargo la oportunidad de escuchar una gran cantidad de las mejores producciones demúsica de cámara y sinfónica de la época. En la primavera de 1860, sobrevivió a una grave enfermedad pulmonar, una pleuritis, complicada con tuberculosis. Como consecuencia, su salud quedó dañada de por vida. Sufrió diversas infecciones respiratorias, por lo que eran frecuentes sus visitas a los balnearios, tanto en Noruega como en sus viajes al extranjero; además, contaba con varios médicos entre sus amistades.

En 1861, hizo su debut como concertista de piano, en Karlshamn, Suecia. Al año siguiente, finalizó sus estudios en Leipzig y realizó su primer concierto en su ciudad natal, donde ejecutó algunas obras complejas técnicamente, incluyendo la sonata Patética de Beethoven.

En 1863, Grieg fue a Copenhague, Dinamarca, y permaneció allí por tres años. Conoció entonces a los compositores Daneses J. P. E. Hartman y Niels Gade. También conoció al compositor Noruego Rikard Nordraak (compositor del Himno nacional de Noruega) quien se convirtió en un gran amigo y en una fuente de inspiración para Grieg. Nordraak murió poco después, Grieg compuso en su honor una marcha fúnebre. Grieg tenía lazos cercanos con la Orquesta Filarmónica de Bergen (Harmonien) y fue director musical de la orquesta desde 1880 hasta 1882. También vio a Franz Liszt en dos ocasiones en Copenhague.

El 11 de junio de 1867, Grieg contrajo matrimonio con su prima hermana, Nina Hagerup, a quien había conocido también en Copenhague. Al año siguiente, nació Alejandra su única hija. En el verano siguiente, Grieg escribió su famoso Concierto para piano en la menor mientras estaba de vacaciones en Dinamarca. Edmund Neupert dio un concierto de su primer trabajo en Copenhague. Grieg no pudo asistir debido a los compromisos de dirección que tenía en Christiania (Oslo).

En el verano boreal de 1869, mientras Grieg se encontraba de paso en Bergen, Alejandra enfermó de meningitis y posteriormente falleció, cuando tenía apenas 13 meses de edad. Una vez que Edvard y Nina se restablecieron medianamente de la pérdida, fueron a Roma incentivados por el gobierno noruego, y fueron invitados a una reunión con Franz Liszt, quien expresó su aprecio por el Concierto para piano en la menor de Grieg. Liszt, hábil pianista, tocó la línea de piano y el arreglo de la parte orquestal, leyéndolos a primera vista y en tiempo real (lo cual es un enorme desafío musical y técnico). Posteriormente criticó constructivamente el trabajo de Edvard y le dijo: «Siga firme en su camino. En verdad le digo, usted tiene capacidad. Y sobre todo, no se deje intimidar». Esto fue un factor muy importante y alentador en la carrera de Grieg. Liszt escribió también un testimonial a los directores noruegos, lo que condujo a Grieg a conseguir una beca.

Pero mientras la vida profesional de Grieg continuaba, su vida personal se deterioraba cada vez más. En 1875 fallecieron sus padres, evento que lamentablemente dejó tanto a Nina como a Edvard sin una casa a la cual retornar en Bergen. Posteriormente, y sobre todo por dolor, Grieg dejó a Nina, pero al año siguiente se reconciliaron y volvieron a vivir juntos.

Edvard Grieg falleció en el otoño de 1907, a los 64 años de edad, en el hospital de Bergen, víctima de una enfermedad crónica en uno de sus pulmones. El funeral condujo a miles de personas a las calles de su ciudad natal para honrarlo y, conforme a su deseo, la marcha fúnebre que había compuesto para Rikard Nordraak fue interpretada con una orquestación de su amigo Johan Halvorsen; también fue ejecutada en la ceremonia la marcha fúnebre compuesta por Frédéric Chopin. Sus cenizas y las de su esposa fueron sepultadas en una tumba de una montaña, frente a un lago situado cerca a su casa, llamada Troldhaugen.

Grieg es considerado como un compositor nacionalista, reflejando la inspiración de la música folclórica noruega. Sus primeros trabajos incluyen una Sinfonía en do menor y una Sonata para piano en mi menor Op. 7. También escribió tres sonatas para violín y piano y muchas pequeñas obras para piano —por esto algunos lo llamaron el «Chopin del Norte»—, a menudo inspirado en danzas y canciones populares de Noruega, los fiordos y paisajes de su país y el dialecto hadangar.

Entre las obras más conocidas encontramos el Concierto para piano en la menor, la Suite Holberg (para orquesta de cuerdas), y diez volúmenes de piezas líricas (para piano). También es conocido por su música incidental, compuesta por encargo de Henrik Ibsen para su obra literaria Peer Gynt.

«La mañana» fue un favorito de Carl Stalling, quien a menudo lo usó para algunos cortos en Warner Bros. También se nota cierto parecido con esta melodía en la banda sonora de El señor de los anillos, precisamente al principio del tema de «La comarca». Esta obra, al contrario de lo que muchos piensan, fue creada para representar un amanecer en el desierto del Sahara, y no uno en los fiordos de Noruega.

Fecha: 
Jueves, 15 de Junio 2017 - 09:20

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De 1934 - Fallece el compositor Gustav Holst

Gustavus Theodore von Holst (Cheltenham, 21 de septiembre de 1874 - Londres, 25 de mayo de 1934) fue uncompositor de música clásica británico, con raíces familiares en Letonia, Suecia y Alemania. Gustavus se quitó el Vonde su nombre durante la Primera Guerra Mundial por miedo de ser identificado como alemán. Es mayormente conocido por su obra Los planetas.

Nació en Cheltenham, cerca de Gales. Estudió en el Royal College of Music de esta localidad, pero más tarde se marchó a continuar sus estudios a Londres. Su obra más conocida probablemente sea Los planetas (The Planets) (terminada en 1916), que Holst no consideraba una de sus mejores creaciones; de hecho, en ocasiones se quejó porque otras obras habían sido eclipsadas por ella. Los planetas está parcialmente inspirada en meditaciones de su propio horóscopo. Trata sobre «las influencias de nuestro espíritu».

Holst estuvo especialmente influido por Rapahel, astrólogo y compilador de unas famosas efemérides y autor de un libro sobre los planetas y su importancia en los acontecimientos mundiales, el que le dio a Holst una amplia visión sobre éstos, logrando hacer de ella una obra exitosa. Holst escribió la suite orquestal cuando era profesor en la St. Paul's Girls' School en Hammersmith (Londres). Compuso además una obra exitosa para la orquesta de la escuela en 1913.

En 1930 compuso Hammersmith: una expresión musical popular que se inicia con la representación extraordinaria del Támesis fluyendo por la ciudad. El departamento musical de la escuela fue nombrado posteriormente en su honor.

La contribución de Holst a los instrumentos de viento-madera le garantizó un lugar en la historia de éstos. En muchos programas actuales destacan sus dos Suites for Military Band. Su única obra para instrumentos de viento-metal, A Moorside Suite, sigue siendo una parte importante del repertorio para dichos instrumentos.

Como muchos compositores, Holst también ejecutaba un instrumento musical, en su caso el trombón

Según su biógrafo, Ian Lace, Gustav Holst era frugal, nunca fumaba ni bebía alcohol. Desde que se fue de casa se volvió vegetariano. Pero ese vegetarianismo no era recomendable en la barata posada donde vivió en los años 1890, además como nunca se alimentó con comida nutritiva, sus ojos se volvieron muy débiles, quedando afectado el resto de su vida.

En 1933 Holst comenzó a sufrir de serios problemas estomacales y finalmente el 25 de mayo de 1934 murió por unas complicaciones, tras una operación quirúrgica en Londres. Fue enterrado en la antigua Catedral de Chichester (en West Sussex).

Sus hijas Imogen y Angela Holst, al igual que su padre, se dedicaron a la composición y a la dirección.

Fecha: 
Jueves, 25 de Mayo 2017 - 10:00

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De 1911 - Fallece Gustav Mahler

Gustav Mahler (Kaliště, Bohemia, actualmente República Checa, 7 de julio de 1860-Viena, 18 de mayo de 1911) fue un compositor y director de orquesta bohemio-austriaco. Sus composiciones están consideradas entre las más importantes del postromanticismo.

En las primeras décadas del siglo XX, Gustav Mahler era considerado uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento. Después de graduarse en el Conservatorio de Viena en 1878, fue sucesivamente director de varias orquestas cada vez más importantes en diversos teatros de ópera europeas, llegando en 1897 a la que entonces se consideraba la más notable: la dirección de la Ópera de la Corte de Viena (Hofoper). Durante sus diez años en la capital austriaca, Mahler —judío converso al catolicismo— sufrió la oposición y hostilidad de la prensaantisemita. Sin embargo, gracias a sus innovadoras producciones y a la insistencia en los más altos niveles de representación se granjeó el reconocimiento como uno de los más grandes directores de ópera, particularmente como intérprete de las óperas de Richard Wagner y Wolfgang Amadeus Mozart. Posteriormente, fue director de laMetropolitan Opera House y de la Orquesta Filarmónica de Nueva York.

Como compositor, centró sus esfuerzos en la forma sinfónica y en el lied. La Segunda, Tercera, Cuarta y Octavasinfonías y Das Lied von der Erde (La canción de la Tierra) conjugaron en sus partituras ambos géneros. Él mismo advertía de que componer una sinfonía era «construir un mundo con todos los medios posibles», por lo que sus trabajos en este campo se caracterizan por una amplísima heterogeneidad. Introdujo elementos de distinta procedencia como melodías populares, marchas, fanfarrias militares, mediante un uso personal del acorde, entrecortando o alargando inusitadamente las líneas melódicas, acoplados o yuxtapuestos en el interior del marco formal que absorbió de la tradición clásica vienesa. Sus obras sinfónicas adquirieron desmesuradas proporciones e incluyó armonías disonantes que sobrepasan el cromatismo utilizado por Wagner en su Tristán e Isolda. La apariencia del desorden que resultaba, con el esfuerzo extra que demandaba reconocer alguna formalidad «clásica» en su estructura, generó la incomprensión de su música, atrayéndole una hostilidad casi general, pese al apoyo de una minoría entusiasta entre la que se contaban los miembros de la Segunda Escuela de Viena, que lo tenían por su más directo precursor.

De entre su obra, cabe señalar sus nueve sinfonías terminadas (diez, si se incluyen los bosquejos de la Décima) y varios ciclos de canciones o lieder. Sus principales colecciones de canciones son: Lieder eines fahrenden Gesellen(Canciones de un oficial migratorio); el ciclo Des Knaben Wunderhorn (El cuerno mágico del muchacho), basado en una recopilación de cantos populares alemanes; Kindertotenlieder (Canciones a los niños muertos) y las canciones Rückert-Lieder, basándose en ambos casos en los textos del poeta alemán Friedrich Rückert; también, la renovadora síntesis de sinfonía-ciclo de canciones Das Lied von der Erde, con letra de poemas traducidos del chino al alemán.

La revalorización de Mahler fue lenta, al igual que la de Anton Bruckner, y se vio retrasada a causa de su gran originalidad y del auge del nazismo en Alemania y Austria, pues su condición de judío catalogó a su obra como «degenerada» y «moderna». Lo mismo sucedió con otros compositores, caídos en desgracia en el Tercer Reich. Sólo al final de la Segunda Guerra Mundial y por la decidida labor de directores como Bruno Walter, Otto Klemperer y, más tarde, Bernard Haitink o Leonard Bernstein, su música empezó a interpretarse con más frecuencia en el repertorio de las grandes orquestas, encontrándose entre los compositores más destacados en la historia de la música.

Fecha: 
Jueves, 18 de Mayo 2017 - 10:00

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