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Rumbo al Oscar 2020 | Crítica Película: Jojo Rabbit

“La vida hay que tomarla con amor y con humor. Con amor para comprenderla y con humor para soportarla.” Anónimo

FICHA TÉCNICA:

Título original: Jojo Rabbit

Director:  Taika Waititi

Actores:  Roman Griffin, Scarlett Johansson, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Sam Rockwell, Rebel Wilson.

Género: Comedia 

Año: 2020

País: Estados Unidos / Alemania

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SINOPSIS:

Historia basada en hechos reales, nos ofrece una versión satírica de los oscuros sucesos acontecidos en la Alemania de la Segunda Guerra Mundial. 

CRíTICA:

Durante los primeros 15 minutos no entiendes bien de que va la cinta, o si ese humor puede ser simpático en un tema tan serio como es la Segunda Guerra Mundial, pero en el minuto 16, empiezas a observar que el humor está sirviendo para decirnos cosas importantes sin solemnidad.

Hacen una parodia de los alemanes adorando a Hitler, sin ningún tipo de cuestionamiento hacia sus acciones, donde nuestro protagonista, un niño de 10 años de edad tiene un amigo imaginario (como muchos niños lo tienen) que es nada menos que Hitler.

Sin embargo, la crítica está dividida con esta cinta, por un lado hay quienes alaban este sentido del humor negro (como yo), y quienes piensan que es una falta total de respeto usar el humor para tratar un tema tan doloroso como fue la persecución de los nazis contra los judíos.

El tema de los nazis y judíos ha sido tratado en diversas cintas de muchas formas, año tras año tenemos este tema que parece no pasar de moda, es un verdadero atrevimiento de Jojo Rabbit acercarnos con un tipo de sarcasmo al tema, pero nunca faltando al respeto. Es más, esta cinta logra conmover más que cualquiera sobre el tema, la sabiduría de la mamá del niño protagonista con palabras dulces y no imponiendo nada, nos da una lección sobre las personas que quieren tener un mundo mejor y en paz.

Se llevo el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Toronto tiene una nominación al Premio Oscar como mejor película del año, y cuatro nominaciones más. Se podría decir que esta cinta es la más arriesgada de las que compite por el Premio Oscar.

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Calificación:

Rangos:  Mala ★ Regular ★★  Buena ★★★  Muy Buena ★★★★

Excelente ★★★★★

MENSAJE:

Creencias absurdas que nunca son cuestionadas por no ejercitar nuestro propio pensamiento.

En este mundo, después de tantos años de estos acontecimientos, parece que no hemos aprendido nada, se viven diario situaciones absurdas como las que está viviendo nuestro país, por personas que no quieren tener contacto con la realidad ni tener sentido común.

La gran amistad que se da entre dos personas de bandos contrarios.

Estrellas: ★★★★★

DIRECCIÓN:

Taika Waititi es neozelandes, ha descrito su película como una sátira antiodio.

Ha hecho cintas como Thor Ragnarok, Avengers y Casa Vampiro.

Estrellas: ★★★★★

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ACTUACIONES:

Roman Griffin da una catedrá de actuación, un niño con una gran naturalidad, que se hubiera merecido que lo hubieran nominado al Premio Oscar.

Scarlet Johansson sale como una madre graciosa, profunda, divertida y está nominada al Premio Oscar como Mejor Actriz Secundaria muy merecidamente, teniendo una gran química con el pequeño actor Roman.

Thomasin McKenzie, es una joven y valiente judía, que vive escondida y que tiene las más emotivas escenas de amor (sí, amor) con Roman.

Taika Waititi, el director que representa al odiado Hitler, logra hacer un papel divertido sobre este horrendo personaje.

Estrellas:  ★★★★★

GUIÓN:

Está basada en la novela del 2008 Caging Skies, de la escritora belga-neozelandesa Christine Leunens .

Muy buen guión, muy entretenido.

Estrellas: ★★★★★

FOTOGRAFÍA:

Muy buena fotografía.

Estrellas:  ★★★★

CALIFICACIÓN  TOTAL:       ★★★★★  EXCELENTE

Twitter: @CINEMABLIX13

 

Autor:

Fecha: 
Viernes, 31 de Enero 2020 - 16:20
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Fecha B: 
Viernes, 31 de Enero 2020 - 18:35
Fecha C: 
Sábado, 01 de Febrero 2020 - 07:35
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1917, la mejor película para ver en tu X-Box One

Por Luis Jurado


Cuando 1917 (2019, Sam Mendes) ganó el Golden Globe a la mejor cinta dramática, un usuario de twitter comentó “Más vale que sea la mejor p**a película de la historia o se van a empezar a soltar los m*dr*z*s en las salas de cine”. Sí, la expectativa por verla, lógicamente, se elevó todavía más por haber destronado a la predilecta del público, Joker y a la obra maestra de la década, The Irishman. Evidentemente, es el caballo favorito de las quinielas en la próxima entrega de los Premios de la Academia.


La cinta cuenta la historia de 2 soldados que durante la 1ª guerra mundial son enviados a avisar a un comando que detengan un ataque que planean porque probablemente se encuentran en una emboscada. Me van a perdonar el spoiler, pero lo que sigue es precisamente lo que ya saben que va a pasar: Uno de los 2 no quiere ir, el otro va porque su hermano es parte del batallón en peligro, hay una escena de acción, luego un momento de paz, otra escena de acción, otra escena de paz, otra escena de acción, otra escena de paz y así. El guión es tan elemental que hasta hace parecer complejos los de Manolo “el Cacas” Caro. Los diálogos son demasiado sosos y no se desarrollan muy bien a los personajes, básicamente porque no hay tiempo para hacerlo entre una tanda de madrazos y otra. Y ese es sólo el más evidente de los problemas que presenta el metraje. Visualmente es apabullante, es quizá la mejor fotografía que se ha visto en cine desde The Revenant (2015, Alejandro González Iñárritu). Vamos, cada fotograma podrían imprimirse y colgarse en cualquier pared. La edición busca dar el efecto de un largo plano secuencia de más de una hora pero por desgracia, no se logra del todo, además que le es difícil cubrir lo anti climático del final.


Mendes intenta abarcar todo y no logra apretar nada. Parece que el muy estimable oficio demostrado en la hoy políticamente incorrecta American Beauty (1999) y en Road to Perdition (2002) o se apagó cuando se encargó de revitalizar al 007 o simplemente le cayeron 2 maravillosos guiones de esos que ni Martha Higareda podría echar a perder. En esta obra, que si bien no es mala del todo, el autor intenta hacer un homenaje a su abuelo que luchó en la 1ª guerra, y sin embargo, está más cercana a una dignificación del combate. En su cinta, los enemigos y los caídos no tienen cara, son un montón de cadáveres y formas anónimas, los alemanes son malos malos, tanto que al intentar salvar a uno de ellos, asesina a uno de los protagonistas (no les digo cuál ni en qué momento, porque no soy tan ojaldra) y los soldados tienen como prioridad la patria, el compañerismo y sobre todo, el salvar la vida de los demás.


Uno de los errores más grandes del trabajo viene de la mano de un personaje en particular: Se corta la mano, le cae un techo entero, se cae de un puente, le disparan, lo persiguen, salta a un río, cae por una cascada y en la siguiente escena empuja un camión atascado como si nada. Es decir, al director se le olvidó que no está en una película de James Bond y que los seres humanos no soportamos el castigo constante a ese nivel, por muy heróicos que intentemos ser.
A pesar de lo hermoso de la fotografía, hay que reconocer que Fernanda Solórzano, en su crítica para Letras libres, observa muy acertadamente que, técnicamente, el realizador llega a banalizar su propia obra al hacerla parecer más cercana a un videojuego que al cine. Y eso es lo que ha apantallado a la mayoría de los críticos millenias y a los que (parafraseando a Solórzano) siempre se la pasan aplaudiendo todo como focas. Ellos crecieron con una narrativa cercana a lo realizado por Mendes, en la que el intérprete es seguido por la cámara a donde va, cumple una misión, tiene un descanso en la que interactúa con personajes que le darán objetos y tips para cumplir su función en su siguiente cometido y así, hasta que llega con un “jefe” y tiene su “cinemática” de cierre. Así funciona 1917. Y esa es la estructura que conforma su guión.


Irving Javier Martínez, en su atinado artículo para ZoomF7 – titulado muy oportunamente, “Arte al servicio de la técnica” – comenta que la cinta es para el público anglosajón lo que Roma (2018, Alfonso Cuarón) fue para los mexicanos el año pasado, es decir “una historia austera promocionada como un trabajo introspectivo y autoral”.

La obra promueve valores que fácilmente pueden llamar la atención de la Academia, porque repite lo que muchas que han ganado su premio, contienen, como el amor a la patria, el valor y el heroísmo altruista y anónimo, que por desgracia, si se mira con detenimiento, es exactamente lo que apela Donald Trump.


Una película regular, que seguramente se disfrutará más cuando salga el videojuego para el X-Box One.

https://youtu.be/plh31-GExC8

 

Autor:

Fecha: 
Viernes, 24 de Enero 2020 - 11:40
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Fecha B: 
Viernes, 24 de Enero 2020 - 13:55
Fecha C: 
Sábado, 25 de Enero 2020 - 02:55
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Entrevista director Carlos Bolado. Parte 1

¿Quién es Carlos Bolado?

Soy un ciudadano mexicano, que estudió cine, que le encanta hacer películas y que escogió la profesión  de director de cine, empecé muy joven a hacer películas, de hecho cuando iba en la prepa, en esa época decidí hacer cine y es lo que he hecho toda mi vida, yo siempre hago la broma de que no he tenido otro trabajo, solamente una temporada que trabajé para mi padre en un laboratorio con mis hermanos cuando era muy jovencito, pero después lo demás siempre ha sido trabajo de cine, haciendo sonido, siendo editor, etc.

¿Alguna vez trabajaste como sociólogo?

No, sí estudié pero no terminé la carrera, estudié sociología y cine al mismo tiempo, mañana y tarde.
Tú naciste en Veracruz. ¿Verdad?

Sí, pero porqué mi papá estaba ahí de trabajo y crecí junto a la playa, pero mi papá es chilango de padre francés, y mi madre es de Zacatecas.

¿Y de dónde nació tu pasión por el cine?

Yo creo que fue por dos motivos: por mi abuela paterna que era muy peculiar, casi no tenía familia y a ella le gustaba hablar del cine, de las estrellas y también hablaba de películas viejas, ella nos contaba películas y nos las imaginábamos. 

Y el segundo motivo fue que como vivíamos en varios lugares por el trabajo de mi papá, por ejemplo en Monterrey, y ahí  en la televisión pasaban muchas series extranjeras, cortos de películas de los años veintes y treintas en blanco y negro, y siempre terminaban en una tragedia y se moría el héroe y luego en el siguiente capítulo veías que ese héroe se había salvado de milagro.

También veía al primer Batman que hicieron antes de los años setentas, yo esas series las veía con mi hermano Jorge, que ahora es el director en una escuela de cine, como que nos nació todo esto yo creo que por la abuela, luego iba a la Muestra de cine desde muy joven en la Cineteca y en otros cines, y vi muchas películas y un día terminé haciendo una película, y entre a la escuela de cine y esto es lo que he hecho toda mi vida.

¿Cómo te haces director de cine?

Me meto al área cuatro, que era humanidades y luego a comunicación y sociología, yo quería hacer algo como sociología de la cultura,  yo quería tener más cultura, no escribo, pero por medio del cine lo hago y esto es lo que más me gusta.
¿Te acuerdas de alguna película de tu infancia que te haya impactado?

Pues me acuerdo mucho de Scaramouche cuando era muy chiquito, la tengo muy presente, era la primera vez que veía algo en una pantalla grande, y tenía como 3 años, según yo creo que fue la primera película que vi, y me acuerdo que se colgaban de las cortinas y se daban espadazos y yo tenía fascinación por las espadas durante algún tiempo, y me gustaban las novelas de capa y espada, leí Los tres mosqueteros, y a los 15 años ya había leído Los pardaillan que son 21 novelas que son puras historias de Francia, vi esa película y me impactó. 

Jesucristo Superestrella también es una película que me marcó mucho.

¿Cuál es tu género favorito para ver y hacer películas?

Siempre me voy al drama, aunque me gustaría poder hacer una comedia, y a veces hago chistes tontos y me río mucho.

¿Qué comedia es tu favorita?

A mí me gusta mucho Monty Python y el humor inglés, y me gustó mucho When Harry met Sally y como ese cine me gustaría dirigir, si me hubieran dado ese guión sería muy feliz de haberlo hacerlo.

Los comediantes judíos en general, son geniales, de niño me gustaba mucho Jerry Lewis, los hermanos Marx y todo ese tipo de humor.

¿Qué película no te cansas de ver?

Me da remordimiento ver muchas veces la misma película porque hay muchas que no puedo ver, la otra vez alguien me dijo que veía cinco películas a la semana, una diaria al menos y me dio envidia. 

Pero Casablanca no me canso de verla, no sé por qué me gusta tanto, estaba yo leyendo un artículo de por qué nos fascina tanto, me divierte, Bogart tiene mucha personalidad, Ingrid Bergman es guapísima, es de aventura, tal vez por mi fascinación de ir a África, y aparte la historia en Marruecos es como exótica.

¿Con qué actor y actriz te gustaría trabajar?

La actriz la más guapa, la que más me gustaba era Elizabeth Shue la de Adiós a las Vegas.

¿Por guapa o por buena actriz?

Jajaja pues por las dos.

Pero no sé quién realmente, depende del personaje, del “casting”, claro que sería un honor trabajar con Marion Cotillard que es una gran actriz, o el mismo Javier Bardem, estaría padre hacer algo con él.

¿Cuál de tus películas te gusta más y porqué?

Un amigo director me dijo “La que más siempre te gusta es la última y la más reciente, y eso siempre tienes que contestar.”
Pero dime la verdad.

A mí me gustan más las dos en las que he tenido más libertad que son Colosio: El asesinato y Bajo California.

¿Tuviste libertad cuando hiciste Colosio: El asesinato?

Sí, mucha libertad. 

Esa película te quedo increíble, hasta aplaudieron en el cine.

Sí, que bueno.

En otras películas tienes al productor detrás, es muy complicado filmarla bien y tratar de convencer a la gente de lo que tú dices que crees es lo mejor para la película.

CONTINUARÁ…

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Viernes, 08 de Enero 2016 - 16:30
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Entrevista a Héctor Suárez Gomís

¿Cómo comenzaste a actuar?

Desde niño, empecé con pequeños personajes, y a los catorce años hice Vaselina, este papel fue el primero importante, salía de locutor de la radio.

A la actuación nunca la tomé como una diversión, era mi profesión y lo que me mantenía económicamente, no me dio tiempo de nada más, ni me interesó ninguna otra cosa.

El señor Emilio Azcárraga Milmo hizo películas para Televisión en los años ochentas, a mí me tocó protagonizar una muy divertida con Claudia Ramírez, Patricia Pereyra y Margarita Isabel, la película se llamaba Tres son peor que una. Esta película gustó mucho, fue la más rentada de Video Centro en esa época, lo malo es que estas cintas no estaban bien dirigidas.

Me gustaría hacer cine en la actualidad, pero como no me he quedado en ningún casting de cintas que me interesen, voy a hacer mi propia versión de esta película y voy a adaptar la anécdota a la actualidad, ésta consiste en que un cuate tiene una mujer angelical pero le pone el cuerno con todas, y un día llega la suegra a vivir con ellos y planea descubrir la vida secreta que tiene su yerno.

¿Qué piensas que te ha faltado para entrar al mundo del cine como tú quisieras?

No tengo idea, tal vez haya actores que hacen todo en su momento.

Le llamé al director Alejandro Springall, que hizo las películas Morirse está en hebreo y Santitos, y ya estamos planeando una nueva versión de Tres son peor que una. A esta película, le quiero meter también la crisis de los cuarenta, y si de plano no hay director, yo la voy a dirigir.

No me siento satisfecho de ninguna de las películas que he hecho aunque he actuado en varias. Les ha faltado un buen texto, lo más importante para mí son los diálogos.

¿Qué películas son tus favoritas?

Te podría decir que Cinema Paradiso, Ladrón de bicicletas, Pulp fiction entre otras, pero me gustan muchas.

También Un hombre y una mujer, Cuando Harry conoce a Sally, excelentes diálogos, parecía que las habían filmado con  cámara escondida; también me gustó mucho Medianoche en París.

Me doy cuenta que muchas de las películas que me han gustado están escritas en algo que se llama el viaje del héroe.

El primer autor que escribió con el viaje del héroe fue Homero, otro autor importante que escribió así fue Alejandro Dumás con Los tres mosqueteros y El conde de Montecristo, si se siguen estos patrones, es casi seguro que las películas tendrán éxito.

En cuanto a actuar en películas estoy abierto, pero si yo estoy dentro del proyecto y puedo elegir, me gustaría más hacer una comedia.

¿Con qué director te gustaría trabajar?

Con Quentin Tarantino, me lo imagino fumando mota y escuchando la música de Enio Morricone, me parece un tipo genial, incluyendo las películas que él escribió pero no dirigió.

¿Cómo descubriste que te gustaba escribir?

Desde niño yo escribía para mí, me daba pena enseñárselo a la gente, pero una amiga me dijo que por qué no hacía un blog, yo no sabía ni lo que era eso, ella lo abrió y empezó a publicar mis escritos como si fuera yo y empezó a tener éxito.

Después una editora se volvió fan de mi blog y me propuso escribir un libro estilo mi blog, yo no me imaginé que alguien fuera a comprar mi libro, pero se vendió bien.

El primer libro salió en el 2009 en una feria del libro, lo leí en voz alta y la gente se río mucho.

El monólogo de El pelón lo escribí un año antes de escribir el libro.

De lo qué se trata este monólogo es cómo nos educaron y de mi vida con mis papás, entre otras cosas.

Cuéntame de tu experiencia de hacer un monólogo.

Es lo mejor que le ha pasado a mi carrera, dura dos horas y cuarto, la gente no para de reír y el ritmo es vertiginoso, me tardé mucho tiempo en que quedara así, le fui cambiando textos.

El pelón lo he presentado por todo México y Estados Unidos.

Me hice independiente de las televisoras y también esto fue lo que me hizo regresar a Televisa, un alto ejecutivo lo vio y al día siguiente me llamó para que regresara.

CONTINUARÁ...

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Lunes, 30 de Noviembre 2015 - 16:00
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Hunger Games

Hoy se estrena por fin la última parte de la saga. Llega a los cines “Los juegos del hambre: Sinsajo el final”, probablemente una de las películas más esperadas del año.

No les voy a mentir, cuando salieron los libros y se convirtieron uno a uno en películas, estaba renuente a leerlos y verlas. Por todos lados escuchaba el nombre, críticas, opiniones, todos querían verlas, pero yo no. Cuando me hablaron un poco sobre la trama pensaba que se trataba de otra novela gringa en la que los participantes de un juego se matan entre ellos sin razón alguna por orden de los productores del programa. Algo al estilo de The Condemned de “Stone Cold” Steve Austin. No, no me interesaba.

Pero el ocio y aburrimiento siempre lo orillan a uno a caer en lo menos querido. Uno de esos días largos en los que no se tiene nada que hacer me dediqué a buscar alguna película que ver en internet. Increíblemente no encontré nada que en ese momento llamara mi atención, sin embargo Hunger Games se aparecía en cada búsqueda, no tuve más remedio que verla. El resultado: a la siguiente semana estaba viendo la segunda parte y en cuanto Sinsajo salió al cine, ahí estaba yo. Y es que nunca me imaginé que la trama tuviera tanto de real. La película aborda temas políticos y sociales que no están nada lejos de nuestra realidad y, a como va el mundo, no es nada loco pensar que un día terminemos así. El control del gobierno y de los medios de comunicación es tal que muchas veces no sabemos qué hacemos por convicción y qué por manipulación.

Esas fueron las cosas que me atraparon desde la primera película. Lo que vemos en ella es la metáfora del dominio absoluto que tienen las esferas del gobierno y empresarios por mantener las clases sociales como hasta ahora para poder mantener el control de las cosas. Y, como ha sido siempre, cuando hay un rebelde que quiere luchar por cambiar las cosas, se le manipula de alguna otra manera para que al final termine aceptando su condición. Por eso tiene tanto éxito la saga, le personaje de Katniss Everdeen representa a ese rebelde inquebrantable y que lucha hasta las últimas consecuencias sin dejarse intimidar que todos queremos ser.

Si bien Los juegos del hambre no es otra cosa que el juego en sí mismo donde los participantes son obligados a matar o ser muertos, nos mete en la historia para explicarnos toda esta manipulación que vemos en la primera parte de Mockingjay. Y cuando pensamos que por fin se acaba toda esta lucha por el poder, el dominio, manejar al pueblo a conveniencia de unos pocos, nos damos cuenta que este movimiento rebelde cae en lo mismo: aprovechar la imagen de alguien, su carisma, el respeto, amor o admiración que le tiene la masa, para usarlo a favor del movimiento. Eso termina siendo la protagonista, un instrumento manipulado tanto para bien, como para mal.

Sin ser fatalistas, sin ser un creyente de la teoría de la conspiración, lo que etas películas nos revelan no son otra cosa que la realidad: La política, los medios, la publicidad, todos forman parte de un solo instrumento que controla al mundo a conveniencia y gusto de unos cuantos. Vale la pena verlas.

Voy vengo.

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Viernes, 20 de Noviembre 2015 - 18:00
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Romper en llanto

Se llora de muchas formas y muchas veces. Algunas lágrimas son delicadas, románticas, dulces o tiernas, otras pueden parecer ridículas, casi siempre salen de los ojos de una mujer, de un infante o de un joven. El recorrido que inicia en las entrañas parece escribir sobre las mejillas palabras que no se entienden; las lágrimas de los caballeros no son tan comunes y solo ellos las conocen bien, saben cuándo y saben exactamente por qué lloran.

Hay edades para llorar también, de niños, no importa cuándo ni delante de quién, de jóvenes las lágrimas casi siempre son por la misma razón y se ven bonitas en todos los rostros, de adultos poco a poco van dejando de salir en público y se esconden cada vez más; se llora en soledad y en los rincones porque de grandes, se supone que ya no se llora por todo. De ancianos vuelve a ser tierno, delicado y nunca ridículo, son las edades pues, que forman, deforman y vuelven a dar permiso para llorar.

Romper en llanto es más que un simple lloriqueo, mucho más que una hipersensibilidad o un berrinche, ya sea por un momento de desesperación, cansancio emocional, desaliento o por caminar arrastrando la motivación y volver a caer. Se rompe en llanto cuando los límites y la capacidad de avanzar se han terminado,  a veces la acumulación de emociones solo encuentran su salida con un llanto explosivo.

He llorado insufriblemente en el cine o leyendo libros, por ejemplo con  “La venta de un asesino en serie” (The selling of a serial killer),  que cuenta la cruel historia de la prostituta y asesina Aileen Wuornos. O con “Milagros inesperados” (The Geen Mile), escrita por Stephen King,  una historia que entre la injusticia y el amor solo existen lágrimas y más lágrimas.   La película “Yo soy Sam” (I am Sam),  guion escrito por Kristine Johnson que tiene la desfachatez de empezar sin imagen con un lejano y tierno “Daddy” y que marcó también el inicio de mi llanto hasta el final de la cinta y dos días después.  “Expreso de medianoche” (Midnight express), el relato de Billy Hayes tan dolorosamente confuso e inquietante. “Noches de tormenta” (Nights in Rodanthe) de Nicholas Sparks, las románticas escenas en el ambiente nublado y lluvioso de una playa son el espacio ideal para soltarse a llorar nostálgicamente, la lluvia casi siempre estimula la lágrima. “El fin, el último de la creación” (Green River Rising) de Tim Willocks, cuando la locura y la desesperación invitan a detener la lectura para secarse los ojos y volver a la historia.  “Mi planta de Naranja Lima” una entrañable historia autobiográfica del brasileño José Mauro Vasconcelos, cada página son emociones diferentes y todas van de la mano del llanto. “Un año junto al mar” (A year by the sea), de Joan Anderson que cuenta un personal escape en solitario que no siempre se puede lograr. Entre otras historias, las anteriores me han hecho romper en llanto.

Las historias de éxito después del fracaso tienen mucho de profundidad y me hacen muy feliz, las historias de fracaso que nunca llegan al éxito me dejan una fea sensación de tristeza. Los esfuerzos del ser humano por ser y pertenecer tienen límites que terminan por romper el llanto, cuando de rodillas se muerde el polvo, cuando no hay más profundidad que pueda alcanzarse.

Hay historias de los que creen en el mundo, que desde su rincón hacen de su vida un festivo carnaval, llenos de talento, llenos de ilusiones, con caminos tan infinitos como solitarios. No sé qué finales puedan tener las historias que nunca son literatura o cinematografía, esperaría que quienes han roto en llanto desde las entrañas, tuvieran un final halagador al menos, para que la respiración inhale un puño de aire diferente y sus pulmones se llenen de oxigeno limpio antes de morir en el intento o levantarse a seguir viviendo.

Los momentos que hacen tropezar y llorar sin consuelo son las historias que me hacen romper en llanto, no puedo siquiera contar las que conozco porque las vuelvo a llorar, como acaba de pasarme ahora al recordar algunos de mis mejores libros. Y como dije antes,  las edades pintan y permiten lágrimas, mi edad y mi rostro me dicen que el encierro sin espejos es la mejor opción para llorar, acabo de saberlo, ya no soy bonita cuando lloro.

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Martes, 03 de Noviembre 2015 - 18:00
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Entrevista a actor Julio Bracho

¿Qué es estás haciendo ahora?

Estoy haciendo las entradas de Boys toys que es un programa de History Channel y el patrocinador es Nissan.

¿De qué trata este programa?

Se presentan objetos o gadgets muy caros y sofisticados y que muy poca gente puede tener. Como por ejemplo: coches de lujo, relojes, lanchas y barcos.

¿Tienes otro proyecto en este momento?

Sí, acabo de  terminar en Miami una novela que se llama Bajo el mismo cielo que está al aire por Telemundo, y después regreso de nuevo a esta ciudad a hacer una película.

¿Cuál es tu opinión  de las telenovelas de Telemundo?

Me parece que tienen mejores contenidos que las de Televisa, están en la búsqueda de otros temas que no sean los típicos de “La Cenicienta”. 

La última telenovela está inspirada en A better Life, película por la que nominaron a Demián Bichir para el Oscar, se trata de un indocumentado que tiene dos hijos.

¿Has hecho telenovelas en la Productora Argos?

Sí, hice varios capítulos en Decisiones para Telemundo, entré a sustituir a un actor que se lastimó, que quedó en estado de coma. 

¿Cómo influyó toda tu familia para que fueras actor?

Pues mira mis hijos me acompañan a veces a los llamados y están en el foro, un poco a mí me pasaba lo mismo.

Lo curioso es que yo no quería ser actor, pero después vi que sí era mi vocación y que lo había aprendido desde niño, era algo natural.

Veo que has dirigido, has escrito y eres actor. ¿Qué es lo que más disfrutas hacer?

Cuando dirigí me redescubrí como actor. Lo que más me gusta es hacer cine, ya sea dirigir o actuar. El teatro me apasiona muchísimo. Cierto tipo de TV me gusta mucho, he hecho mucha TV desde la novela clásica hasta muchos programas más.

¿Cómo preparas un papel?

Depende de la rapidez del proyecto, tomo el texto y lo leo varias veces, luego empiezo a dividir mis escenas y las subrayó, y veo si necesito conocimiento histórico y estudio, hago un plano general y después me olvido de ese plano general y ya entró en el personaje, por ejemplo hice a Trujillo de la obra literaria de Vargas Llosa, y me sumergí en la historia de este hombre muy interesante y fascinante, en este trabajo tuve más tiempo de hablar con el director. Mi conclusión es que Trujillo enloqueció en el poder.

¿Te puede llegar a afectar emocionalmente actuar en un personaje?

Con el personaje de El chivo me pasó algo que nunca me había pasado porque estuve mucho tiempo personificándolo, fueron cuatro meses filmando diario, no tenía tiempo ni de desconectarme y había una energía como muy fuerte, yo creo mucho en eso, llamé a una energía muy densa.

Me gusta después de algo denso hacer algo que no tenga nada que ver. 

Diario estaba yo 12 horas en el personaje de Trujillo.

¿Cuál de tus proyectos te ha gustado más y por qué?
 

El chivo particularmente es de los que más me ha gustado, el trabajo fue muy intenso, muy exhaustivo por parte del director y de los actores.

Sobre la película Desafío. Cuéntanos.

Mi pasión es el automovilismo, yo al principio iba a participar como actor y acabé metido en todo. 

Tú también has corrido autos. ¿Verdad?

Sí claro.

¿Cuál es el papel que sueñas representar?

Hay muchos personajes históricos, por ejemplo Simón Bolívar.

De Shakespeare me gustaría representar cualquier obra, aunque sí lo he representado ya que hice a Tito Andrónico.

¿Cómo fue trabajar en la película de Cantinflas que tuvo tanto éxito?

Me sorprendió mucho el actor que hizo de Cantinflas, Óscar Jaenada, es el mejor actor con el que he trabajado, lo traté de invitar a cenar y me dijo ahora no, porque si me distraigo se me va.

Óscar hacia visualizaciones en la mañana, todo un trabajo para poder llegar al set, no se distraía mucho, para mí es un camaleón.

Hubo muchas críticas de que Óscar Jaenada representara al personaje de Cantinflas pues era español. ¿Qué opinas sobre esto?

Estas críticas fueron por prejuicios, hicieron un casting muy exhaustivo y por algo el director escogió a este actor.

Fue muy interesante filmar Cantinflas, estábamos haciendo la toma de Churubusco y decíamos “esto realmente pasó”. Y luego esa escena de la marcha de las estrellas fue maravillosa con Dolores del Río entre otros personajes importantes.

Cuéntame de la Película Arráncame la vida.

Es con otro gran actor Giménez Cacho. Una película muy bien hecha.

Continuará...

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Viernes, 23 de Octubre 2015 - 17:30
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Back to the Future

No lo pude evitar, miren que lo intenté, pero fue más fuerte que yo. Me rehusé fuertemente a escribir sobre el tema, pero la fiebre por Back to the future y haber llegado, finalmente, a la fecha de destino de la segunda parte de esta trilogía pudo más que yo.

No es que tenga algo en contra de la mítica saga, incluso la disfruté durante la infancia, pero creo que haber sido expuesto a ella una y otra vez gracias a la siempre pésima y repetitiva programación del canal 5 terminó por cansarme. No niego que de niño soñaba con tener alguno de los artículos con los que contaban Marty McFly y el “Doc” Emmett Brown e imaginaba cómo hubiera sido mi vida con ellos, principalmente con la hoverboard ¿se imaginan? ¿ir de un lado a otro volando en nuestra patineta? Pero también recuerdo que desde la primera vez que la vi aborrecí la pésima actuación de Michael J. Fox, en algún momento llegué a pensar que era intencional, como la exagerada (y muy atinada) actuación de Christopher Lloyd interpretando al excéntrico científico, pero con los años comprobé que no, que en realidad él es malo, me parece nefasta, y más aún el doblaje al español ¡como taladrarle el oído a uno!

Los periódicos, revistas y páginas de internet han estado plagados durante semanas de artículos que hacen referencia a la película. Marcas como Nike y Pepsi sacaron artículos conmemorativos (los tennis y la botella) a manera de homenaje y genialidad mercadológica. Universal Studios lanzó un falso trailer de la película Tiburón 19 (que afortunadamente nunca se hizo). Alrededor del mundo se han llevado a cabo tributos, eventos, conferencias, rodadas ciclistas, conciertos y exhibición de la trilogía para recordar el momento en que McFly llegó a nuestros días.

Pero ¿saben qué me parece ridículo? Todos esos pseudo artículos que hablan sobre los “errores en las predicciones” de la película. Y es ridículo porque para empezar no son predicciones. Que si las patinetas o coches voladores no existen, que si el fax ya no se usa, la ropa ajustable o con auto secado no se han inventado… el director no intentaba exponerlos como una predicción del futuro, simple y sencillamente es la utopía de una película de ciencia ficción, nada más. Como ésta existen muchas otras que han tratado el mismo tema recurrentemente, la manipulación del tiempo, los saltos cuánticos, son sólo algunas de las cosas que como endiosados seres humanos nos intrigan y el cine las ha explotado. O los que exaltan los aciertos: los lentes inteligentes, las videollamadas, el cine 3D, la seguridad por medio de la voz o huellas digitales, el microondas… Incluso el equipo de beisbol Chicago Cubs está metido en las futurísticas visiones del director Robert Zemeckis. ¡No son más que coincidencias, bromas e imaginación! Las videoconferencias, por ejemplo, se empezaron a desarrollar casi desde el origen de la televisión, en los años 40 AT&T ya trabajaba en ello, los coches voladores han sido una fantasía desde el inicio, El profesor boligoma de Fred MacMurray (1961) ya lo imaginaba. Pero no teman, no se obsesionen mis frikies fanáticos, si hay algo que no vean no es que no exista, sino que estamos en un futuro alterno.

En fin, que a las 4:29 de la tarde del miércoles 21 de octubre llegamos al futuro, bueno, ahora al pasado. La cosa es que se cumplió la fecha, una fecha que en realidad fue marcada por puritita casualidad porque los productores nunca se imaginaron el éxito que tendría la primera cinta y no estaba en sus planes una segunda parte.

El futuro quedó en el pasado. Sigamos viajando, como dicen, un minuto a la vez.

¡Marty, tienes que venir conmigo!

- ¿A dónde?

- ¡De regreso al futuro!

Voy vengo.

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Viernes, 23 de Octubre 2015 - 16:30
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¿Volver al futuro?

 

Sí, los premios Nobel de este año recibirán su espacio, pero sin duda el Dr. Emmett Brown requiere que le hagamos un tiempito.

Apenas pasado el terremoto de 1985 y llegaron Marty McFly y el Doc con turbadoras noticias de un futuro donde AMLO y Muñoz Ledo son la oposición, Jacobo Zabludovsky fue prócer del periodismo y hay como una docena de futbolistas mexicanos en Europa.

Delirante como buena parte de la filmografía de Robert Zemeckis, Volver al futuro II nos dio un atisbo de lo que sería este año. Sin embargo viendola de nuevo, es fácil notar que el 2015 de hace treinta años es muy ochentero. Y es que viajar por el tiempo, aún haciendo guiones no es sencillo.

Paul Nahin de la Universidad de New Hampshire en el maravilloso libro Time machines hace un recuento de varías de las hipótesis sobre los viajes del tiempo, sus posibilidades e imposibilidades y varios de los ejemplos en la cultura popular.

De entrada el tiempo es algo complicado de definir. Einstein de plano dijo que era “lo que los relojes medían”. Pero él mismo se encontraba limitado por la idea de que el tiempo era constante en el Universo, algo muy de Newton. El problema es que cuando un objeto se acerca a la velocidad de la luz, a distancias infinitas y a cantidades inmensas de masa, no parecía cumplirse. Newton se volvía un sarcófago que no lo dejaba moverse con soltura en los pizarrones. La solución resultó, nunca mejor dicho, relativamente simple. ¿Y si el tiempo en lugar de ser una constante era tratado como una variable? El tiempo resultó no ser constante y trascurrir más lentamente a mayores velocidades. Desde entonces este extraño fenómeno llamado dilación del tiempo se ha comprobado aún a velocidades alcanzables por un Delorean 1985.  Cuanta más materia tenga un objeto más distorsionará el espacio y el tiempo y si llega a ser tan pesado lo puede romper como una roca rasgando una tela delgada. El matemático neozelandés Roy Kerr propuso que algunas estrellas provocaban esto y formaban un agujero de gusano, una especie de túnel que desembocaba en otro punto y tiempo del espacio.

El Universo sería como un terrario con celdas comunicadas por galerías y túneles como los hechos por lombrices, donde pasado, presente y futuro coexisten. Pero antes de que haga las maletas, cronológico y viajero lector, debe saber que nunca se ha visto un punto de salida de esos agujeros. Robert Zemeckis también jugó con esta idea en otra película, Contacto, basada en la novela de Carl Sagan quien se la medio plagió a Francis Ford Coppola. La verdad, con el tiempo, resultan más profundas y menos petulantes las aventuras de Marty McFly por las implicaciones lógicas y edípicas que suponen.

Imagine un viajero del tiempo que mata a su propia abuela en el pasado. ¿Habría nacido? O mejor, se la liga ¿el viajero puede ser su propio abuelo? La misma situación puede volverse más compleja. Imaginemos a una persona que hereda un reloj de bolsillo de su abuela; dicha persona viaja al pasado y obsequia el reloj a quien será su abuela, el mismo reloj que recibirá de ella en el futuro. ¿Entonces quién fabricó el reloj? Más o menos eso pasa en la cursísima Pide al tiempo que vuelva con Christopher Reeve basada en una novela de Richard Matheson (el de Soy leyenda) y que también es medio plagio de la novela Time and Again de Jack Finney. Aunque está claro que no hay que viajar en el tiempo para usar las ideas de otros, imaginemos que un artista famoso se visita así mismo en su anónima juventud y se obsequia la música, los poemas o novela que lo harán célebre y popular tan solo copiarlos…¿quién escribió la música? ¿Quién imaginó la novela? La ciencia ficción está llena de estas paradojas, adaptaciones, homenajes y casi plagios.

Desde El reloj que marchaba hacia atrás de Edward Page Mitchell de 1888 o Un joven yanki en la corte del rey Arturo de Mark Twain hasta la inquietante y reciente Predestinación con Ethan Hawke, el género y la inquietud que motivan parecen gozar de buena salud. Al menos por un tiempo.

Y si usted gusta de pasar el tiempo con el tema, considere, no siempre por buenas, Línea del tiempo de Michael Crichton, la sensacional miniserie británica Life in mars de H.G. Wells, La Máquina del tiempo y 12 monos de Terry Gilliam, así como Looper con Bruce Willis. Y para más sobre la vertiente científica, échele un ojo al texto de Oscar Miyamoto en Muy Interesante de este mes.

Fecha: 
Jueves, 22 de Octubre 2015 - 16:00
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El asalto del cine “Gangsta”

Desconozco si será producto de una casualidad, o una muy bien pensada estrategia de mercado, pero resulta que en nuestro país prácticamente coincidieron los estrenos de dos películas que abordan, desde distintas ópticas, una temática similar: el mundo del rap, el hip hop y la sub cultura urbana.

“Los Jefes” es el título de la primera de estas cintas; una producción mexicana dirigida y coescrita por Jesús “Chiva” Rodríguez es una historia que retrata de manera cruda y directa el submundo del narcomenudeo y la delincuencia organizada, teniendo como escenario la zona suburbana de la ciudad de Monterrey, Nuevo León, donde movimientos musicales como la cumbia colombiana y los narcocorridos compiten en simpatizantes con el hip-hop, el rap y el freestyle en español, teniendo como sus principales exponentes a la banda regia Cartel de Santa, cuyos integrantes protagonizan esta pieza de ficción. 

El barrio bravo de Santa Catarina y la música de hip-hop sirven como escenario y referente para esta historia, que brinda un repaso al entorno de arrogancia, violencia y adrenalina que envuelve el complejo universo del tráfico de drogas, donde consumidores y traficantes se entremezclan en una angustiosa vorágine. Por momentos la película parece más una apología que un retrato del ambiente pesado en el que se desenvuelven los integrantes del Cartel de Santa y sus seguidores.

Cabe recordar que MC Babo, el líder de esta agrupación ha señalado que más allá del grupo, Cartel de Santa es una comunidad que aglutina a tatuadores, graffiteros y todo tipo de artistas urbanos que comparten el mismo origen e ideología. Las letras de Cartel de Santa no buscan predicar, su principal objetivo es entretener y “marcar territorio”, y eso mismo hace este colectivo con su primera película.

El segundo filme lleva por título “Straight Outta Compton”, cinta norteamericana dirigida por F. Gary Gray, y que retrata los orígenes, ascenso y caída de una de las bandas seminales del “gangsta-rap”: N.W.A., cuyo nombre fue toda una declaración de principios (son las iniciales de la frase “Negros Con Actitud”, en su traducción del inglés).

A mediados de los ochenta, cinco jóvenes del barrio de Compton, California, conforman una agrupación de rap que decidió llevar al extremo la intención de reflejar en su música el estilo de vida de los suburbios, donde la violencia, las peleas de pandillas, las drogas, la segregación y los abusos policiacos fueron el cotidiano combustible para detonar uno de los fenómenos culturales más influyentes de finales del siglo pasado, cuando el hip-hop dejó de ser una música festiva como la que produjeron a principios de los ochentas los artistas e intérpretes de Nueva York, para dar paso al descarnado retrato urbano de los raperos angelinos. Iniciaba la rivalidad entre las costas Este-Oste.

A diferencia de la fábula urbana aspiracional retratada por la pseudo autobiográfica película del rapero Eminem “8 Mile” (Curtis Hanson, 2002), donde la historia busca revindicar la figura de un atormentado MC de Detroit que busca sobrevivir  de su infierno marginal enfrentando el rechazo y sus propios miedos en las batallas de freestyle (estilo de rapeo sustentado en la improvisación y habilidad para rimar sobre una base musical), “Straight Outta Compton” refleja la lucha de un grupo de jóvenes afroamericanos por sobresalir en el mundo musical sin renunciar a su principio de pertenencia a su barrio, su raza y su marginalidad. Los integrantes de N.W.A. no quieren tener la fama para convertirse en artistas plásticos, sino para gritarle a un mundo que los segrega sobre la realidad que se vive en el barrio, donde matar a un rival deja de ser una opción, y donde la policía no representa a la autoridad que protege, sino el rostro de un sistema que somete y abusa.

Los integrantes de N.W.A., pese al tono agresivo de su música, pasaron a ser leyendas en el mundo del hip-hop: Dr.Dre,  Ice Cube, Eazy-E, MC Ren y DJ Yella.

Productos marcadamente distintos de una misma corriente y subcultura musical, las películas de Cartel de Santa y N.W.A. ratifican la sombría realidad de nuestro tiempo: la juventud busca anti héroes porque las historias con finales felices ya no representan su entorno ni su realidad.

SOUNDTRACK PARA LA LECTURA:

Cartel de Santa (México) – “Perros”

 

Cartel de Santa (México)- “Bombos y Tarolas” 

 

N.W.A. (Estados Unidos)- “Express Yourself” 

 

N.W.A. (Estados Unidos)- "Fuck Tha Police"

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Jueves, 20 de Agosto 2015 - 18:30
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